タイトル未定2026/02/13 23:40
短編小説：kill
著者：パティパット・ピンラット
正体不明の殺し屋は、妊娠1ヶ月の女がいる夫を銃で殺した。そして、その女を連れて行き、依頼人に引き渡した。依頼人はその女に無理やり中絶をさせ、彼女を強姦した。一方、正体不明の殺し屋は、顔が丸くて眼鏡をかけ、肌がとても白い、ユキ・アオイという名の少女の家へ行った。アオイはある男に強姦されていた。正体不明の殺し屋は銃でその男を撃ち殺した。アオイは震えていた。正体不明の殺し屋はアオイの手を引き、自分と共に連れて行った。そして、食べ物と水を買って彼女に与えた。アオイは長い間、震えて固まっていたが、ようやく食べ始めた。
翌日、正体不明の殺し屋は、ある村へ向かい、一軒の家に入ろうとした。アオイも連れて行った。到着すると、正体不明の殺し屋は銃で次々と撃ち殺した。家長、女主人、産まれたばかりの子を持つ母親、幼い子供たち、中年の家の主人、老人、杖をついた老人、車椅子の老人、若い女、10代の少女、中年の女、老いた女、10代の少年、走っていた幼児、乳児さえも容赦しなかった。牛、水牛、鶏、豚、ナマズ、ライギョ、カエルまでもが全て死んだ。死体はそこら中に散乱し、血が全てに飛び散った。銃を撃ち、シルバーアロワナの水槽、金魚の水槽、川エビの水槽にまで浴びせ、それらは粉々に砕け散り、中の水生生物は皆、床でのたうち回ってから死んだ。そして、正体不明の殺し屋はアオイの手を引いて歩き去った。
正体不明の殺し屋は村中の者を皆殺しにした。逃げる少年少女を撃ち、雑貨店の店主を撃ち、セブンイレブンの店員を撃ち、おかずを売る移動販売車を撃ち、バイクに乗る人を撃ち、行商人たちを撃ち、買い物に来ていた客たちを撃ち、料理人たちを撃った。全員が悲惨な死に方をした。正体不明の殺し屋が人を殺している間、アオイは震え、叫び続けていた。正体不明の殺し屋が誰も残さず皆殺しにすると、アオイは叫んで尋ねた。「どうしてこんなことをするの！？ どうしてこんな酷いことをするの！？ どうしてこんなに恐ろしいことができるの！？ どうしてここまでするの！？」
正体不明の殺し屋はそれを聞いて怒り、怒鳴り返した。
「てめえ、殺し屋を何だと思ってるんだ！？ 人を殺すってことが何だと思ってる！？ 現実の世界で人を殺すってことがどういうことだと思ってるんだ！？ 人を殺すことに、道徳なんてものはありえないんだ！！ 人を殺すことに、名誉も誇りもありえない！！ あるのはただ死、死、死、死、死、死、死だけだ。あるのは死だけ。この世界でたった一つの真理、それは死だけなんだ。現実の世界で人を殺すっていうのは、ただ殺すことだけを考えればいいんだ。現実の世界で人を殺すっていうのは、ただ死だけを考えればいいんだ。死だけだ、死だけだ、死だけだ。あるのは死だけだ。てめえ、人を殺すことに誇りがあると思ってるのか！？ 名誉があるとでも思ってるのか！？ 人を殺すことには、劣悪さしかない。人を殺すことには、邪悪さしかない。人を殺すことに名誉はない。人を殺すことに誇りはない。男らしさなんてものもない。人間性なんてものもありえない。実際のところ、その人間性こそが、殺し合いの原因なんだ。人を殺すことに道徳なんてものはありえない。人を殺すことには、自己中しかない。分かってるのか？ この世界の真理ってやつは？ 人間の本質ってのは、自己中なんだ。人間の心の中に道徳なんてものはない。俺たちは皆、悪役なんだ。誰一人として主人公なんていない。この世界が良くなることなんて絶対にない。宗教がこの世界を良くすることなんて、絶対にない。道徳なんてものは実在しない。そして、人間が道徳を持つことなんて絶対にない。なぜなら、道徳は人間の自然な姿じゃないからだ。なぜなら、道徳は人間の本質じゃないからだ。人間の本質は自己中だ。人間の自然な姿は自己中だ。俺たちは皆、殺人者だ。豚を見ろ、牛を見ろ、鶏を見ろ、魚を見ろ、貝を見ろ。俺たちは皆、殺人者だ。たとえ動物を食べなくても、生きていくためには植物を殺さなければならない。クソったれな道徳なんてあるもんか！ てめえんちの道徳ってやつか？ 俺たちはボウフラだって蚊だって殺してるだろう？ これで俺たちは殺人者じゃないのか？ 人間の自然な姿は、殺し合いなんだ。人間の自然な姿は、あらゆる相手と交尾して、永久に一緒にいるわけじゃないんだ。人間の自然な姿は、浮気性なんだ。人間の自然な姿は、スケベなんだ。人間の自然な姿は、劣悪なことなんだ。人間の自然な姿は、下劣で卑しいことなんだ。自分を高潔に振る舞うことなんて、真実じゃない。自分を高潔にすることなんて、不可能なんだ。この世界が道徳や宗教で良くなることなんて絶対にない。宗教がこの世界を良くすることなんてできない。道徳がこの世界を良くすることなんてできない。人間の自然な姿は、嫌悪すべきものなんだ。自然は下劣だ。人間の自然な姿は、自己中なんだ。強姦すること、不正を働くこと、奪うこと、盗むこと、嘘をつくこと、騙すこと、裏切ること、スケベなこと、殺し合うこと。これこそが人間の自然な姿であり、この人間の自然な姿こそが『人間らしさ』なんだ。だからこそ、殺し合いが起きるんだ。勤勉に働いたところで、成功できるわけがない。もし成功したいなら、金を奪わなければならない、人を殺さなければならない。もし愛で思い通りになりたいなら、強姦しなければならない。楽をしたいなら、不正をしなければならない。こんな方法を使わずに成功した人間なんて、金持ちだけだ。貧乏人にできるわけがない。現実の世界には、嫌悪すべきことしかない。現実の世界には、不正しかない。現実の世界では、不正が正義に勝つ。それがいつもだ。現実の世界には、下劣なことしかない。現実の世界には、卑しいことしかない。現実の世界には、劣悪なことしかない。現実の世界には、自己中なことしかない。これこそが現実の世界だ。ようこそ、現実の世界へ。」
アオイは何も言えず、何も考えられなかった。そして、正体不明の殺し屋は言った。「お前を強姦した男は、ギャングのナンバー２だ。ギャングのボスがお前を強姦したがっていて、ナンバー２はお前をボスのところに連れて行かなきゃならなかったんだ。だが、ナンバー２の奴が、先に横取りして強姦したってわけだ。」
そして、正体不明の殺し屋はアオイをギャングのボスのアジトへ連れて行った。正体不明の殺し屋はアオイに銃を渡した。アオイは非常に長い間、固まっていた。そして、アオイは銃でギャングのボスの眉間を撃ち抜き、殺した。
終わり
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観てきた映画すべて（小学6年生の頃から、生まれてから観てきたものまで）
トランスフォーマー/ダークサイド・ムーン
製作
開発
「階層構造についてより深く学び、また、セイバートロンに関する多くの歴史も得られた。レナード・ニモイの演技は素晴らしかった。」
— マイケル・ベイ、センチネルプライムのキャラクター開発について [9]
『トランスフォーマー』（2007年）の公開前から、パラマウント・ピクチャーズは続編2作品の開発を始めていた[10]。『リベンジ』公開に先駆け、マイケル・ルッチとパラマウントは2009年3月16日、第3作目を2011年7月1日に公開すると発表した。これは監督マイケル・ベイにとって意外な返答だった。「『トランスフォーマー』から1年は休むと言ったんだ。パラマウントは『トランスフォーマー3』の日程を間違えたんだ――彼らが電話で尋ねてきて、俺は7月1日でOKしたんだ――でも、2012年のな！ おっと！ 2011年じゃない！ つまり、9月には準備を始めなきゃいけないってことだ。そんなの無理だ、頭がロボットの喧嘩から休みを必要としてるんだ」[11]。第1作、第2作の脚本を共同執筆したロベルト・オーチーとアレックス・カーツマンは、第3作への参加を辞退した。カーツマンは「このフランチャイズは素晴らしく、常に新鮮さを保つに値する。我々はすでに多くのものを注ぎ込みすぎて、物語をどう続けるべきか明確なビジョンが持てなくなったと感じた」と述べている[12]。『リベンジ』で脚本協力をしたエーレン・クルーガーが、『ダークサイド・ムーン』の単独脚本家となった。クルーガーはILMのVFXプロデューサーと頻繁に会合を持ち、彼らからチェルノブイリのシーンなど、ストーリー上の重要なアイデアの提案を受けた[13]。また、脚本家のジェニー・ラムも、脚本の補強、女性キャラクターの強化、ユーモアの追加のために起用された[14][15]。
2009年10月1日、ベイは『ダークサイド・ムーン』がプリプロダクションに入り、公開予定日が元の予定通り2012年から2011年7月1日に戻ったことを明かした[16]。『アバター』の成功により再び注目を集めた3D撮影技術への関心から[17]、パラマウント、ILM、ベイの間で、次回作を3Dで撮影する可能性が検討され、ベイの作品にこの技術を導入するテストが行われた[18]。ベイは当初、自身の「アグレッシブな」映画製作スタイルには合わないと感じ、このフォーマットにあまり興味を示さなかったが、『アバター』の監督ジェームズ・キャメロンとの話し合いの後、確信を持つに至った[19]。キャメロンは自身の映画の技術スタッフを提供することも申し出たという。キャメロンはベイに、3Dについて「おもちゃだと思わなきゃいけない。感情やキャラクターを伝え、体験を創り出すための、もう一つの楽しいツールなんだ」と語ったと報じられている[20]。ベイは当初、3Dカメラでの撮影に躊躇していた。テストで、これらのカメラが自身の撮影スタイルには大きすぎると感じたためだ。しかし、ポストプロダクションでの3D変換も、その仕上がりに満足できなかったため、望んでいなかった[21]。キャメロンのチームが開発した3Dフュージョンカメラシステムの使用に加え[20]、ベイとチームは9ヶ月をかけて、実際のロケ地に持ち運べる、よりポータブルな3Dカメラを開発した[19]。
『リベンジ』のブルーレイ版に収録された隠し機能で、ベイは『トランスフォーマー3』を『リベンジ』より必ずしも大きくするつもりはなく、むしろ神話を深く掘り下げ、キャラクター開発を強化し、よりダークでシリアスなものにしたいとの意向を示していた。ユニクロンは『リベンジ』のブルーレイに収録された『トランスフォーマー3』の予告編のような特典映像に短く登場したが、最終的に製作者たちは惑星を喰らうトランスフォーマーに関連するプロットを破棄することに決め、これについてのさらなるコメントはなされなかった[22]。それまで『トランスフォーマー3』と呼ばれていた本作の最終的なタイトルは、2010年10月に正式に『ダークサイド・ムーン』と発表された[23]。『リベンジ』が批評家や観客からほぼ否定的な評価を受けたことを受け、ベイは脚本の一般的な欠点を認め、その多くの問題を映画製作前に起きた2007年から2008年の全米脚本家組合ストライキのせいにした。ベイはまた、本作では前作の「安っぽいコメディ」を排除すると述べた[24]。2010年3月19日、脚本が完成したと報じられた[25]。
キャスティング
2010年、『トランスフォーマー/ダークサイド・ムーン』のセットで撮影されるデンプシー。
当初、ミーガン・フォックスが本作に出演する予定であり、パトリック・デンプシー演じるディラン・グールドは、フォックス演じるミカエラ・ベインズの雇い主という役割だった[26]。様々な報道ソースによると、フォックスが本作に出演しなかったのは、製作総指揮のスティーヴン・スピルバーグが、フォックスがベイと彼の仕事倫理をアドルフ・ヒトラーに例えたことを受けて、彼女の起用を継続しないことを選択したためである[27][28]。女優の代理人は、これは彼女自身がフランチャイズから離れる決断だったと述べているが[29]、後にベイは、製作総指揮のスティーヴン・スピルバーグからフォックスを解雇するよう言われたと主張し[30]、スピルバーグはこの主張を否定している[31]。「俺は気分を害してなんかいない」とベイは語った。「なぜなら、それがミーガンだと分かっていたからだ。ミーガンは答えを欲しがるタイプで、彼女はそれを間違った方法でやった。すまない、ミーガン。12時間労働させてすまない。時間通りに来させてすまない。映画はいつだって温かく思い出深いわけじゃないんだ」[30]。
フォックスが役を再演しないことになったため、サムの新しいガールフレンド役にロージー・ハンティントン＝ホワイトリーがキャスティングされた[32]。ラモン・ロドリゲスは当初、『リベンジ』での役割よりも大きな役で本作に出演する予定だったが、撮影初期の段階で降ろされた[33]。ジョン・マルコヴィッチやフランシス・マクドーマンドといった著名な俳優たちも、本作のために用意された役でキャスティングされた。マルコヴィッチは次のように説明している。「俺はブルース・ブラゾスという男を演じている。ただの口の悪い奴で、シア・ラブーフの演じるキャラクターの上司であるビジネスマンで、ただのバカで騒々しいが、楽しいキャラクターだ。ああ、楽しかった。すごく楽しかった。とても楽しかった。シアとロージー、そしてジョン・タトゥーロもちょっと出てくる。だから俺にとっては最高だったよ」[34]。著名な俳優、ケン・チョンも、同僚でストーカーのような奇妙な役でキャスティングされた。チョンは本作についてこう語っている。「ああ、『トランスフォーマー』の中では小さな役だけど、でもああ、この作品に取り組んでいる間、自分がそこにいるのが信じられなくて、魂が抜けたような体験をしたよ。それでも、『トランスフォーマー3』みたいな大ヒットフランチャイズの一部になれるなんて、ましてや『ハングオーバー!! 史上最悪の二日酔い、国境を越える』の続編の一部になれるなんて、信じられなかったんだ。だから、これらの作品の一部になれるなんて信じられなかった。すごいよ。マイケル・ベイは素晴らしい仕事をしたし、この映画は君を驚かせるだろうさ」[35]。
ディセプティコンの科学者ショックウェーブ役には、ベテランのトランスフォーマー声優コーリー・バートンが、オリジナルテレビシリーズや『トランスフォーマー アニメイテッド』で同キャラクターの声を担当した経験からオファーを受けたが、バートンはスケジュールと、巨大な映画フランチャイズに関わることへの消極的な気持ちを理由にこのオファーを断った。デヴィッド・ウォーナー（バートンは彼の声からショックウェーブの声のインスピレーションを得ていた）も一時的に検討されたが、最終的にこの役はフランク・ウェルカーに決まり、彼がこれまで担当してきた長いトランスフォーマーのキャラクターリストに新たに加えられることとなった[36][37]。
テーマとインスピレーション
スキッズとマッドフラップは、『リベンジ』への否定的な反応と、ベイが認識していた彼らの「安っぽいコメディ」の「最後のとどめ」を受けて、『ダークサイド・ムーン』から外された[38]。ファンの間でスキッズとマッドフラップが登場するという噂があったにもかかわらず、ベイは彼らが『ダークサイド・ムーン』に登場しないことに公然と25,000ドルの賭けをした[38]。彼らは劇中、NEST本部に車両モードで短時間登場している。
ベイは『リベンジ』が「ファンをガッカリさせた」ことを認め、「第3作目はクソな作品にしたくない」と述べた[39]。ベイは、『ダークサイド・ムーン』の最終決戦は、地理的な要素がより強く、「小さなヒーロー集団」が活躍する、リドリー・スコットの戦争映画『ブラックホーク・ダウン』、ジョー・ダンテのSF映画『スモール・ソルジャーズ』、ハズブロの『G.I.ジョー』のようなものにしたいと語った[39]。ベイはまた、ショックウェーブを登場させることに決めた。そのキャラクターは「邪悪」で、「（メガトロンより）大きな銃を持っていて、少し凶暴だから」としている[39]。AVクラブによれば、本作には1980年代のアニメシリーズ『戦え!超ロボット生命体トランスフォーマー』から、スペースブリッジの使用や「オートボットの追放」など、いくつかの副次的インスピレーションが含まれているという[40]。
前2作と同様に、観客を引き込むため、物語は人間の視点を通して描かれる。ベイは前2作と同様にサムにガールフレンドがいることを望んだ。主演のシャイア・ラブーフは、サムとミカエラは「同じようなキャラクター」になってしまい、ミーガン・フォックスを「恋しく」思うが、この変更によって「新鮮な視点を再び探求できるようになった」と述べた[41]。ラブーフはまた、ハンティントン＝ホワイトリーと新しいキャラクターを加えることで、『ダークサイド・ムーン』は第1作の「魔法」を維持できたとも語っている[42]。
『ダークサイド・ムーン』には、『スター・トレック』への言及も数多く含まれている。脚本家のエーレン・クルーガーが「筋金入りのトレッキー」であることも一因だが[43]、新キャラクターのセンチネルプライムの声を、『スター・トレック』でスポック役の生みの親として有名であり、『トランスフォーマー ザ・ムービー』でガルバトロンの声も担当したレナード・ニモイが担当していることへの敬意も込められている。最初の『スター・トレック』への言及は、サムとカーリーのアパートに住む逃亡ロボットのブレインズとウィーリーが、宇宙大作戦のエピソード「Amok Time」を観ているシーンだ。ウィーリーは「これ観たことある。スポックが発情するエピソードだ」とコメントする[43]。2度目の言及は、サムが彼女の職場で彼女のガールフレンド、カーリー・スペンサーに会い、彼女の雇い主ディラン・グールドに紹介されるシーンだ。サムは彼らの職場に驚く：「素敵なビルだね、まるで宇宙船エンタープライズ号みたいだ」[43]。3度目の言及は、ケープカナベラルでバンブルビーがサムに別れを告げる際の台詞「My friend」で、これは『スタートレックII カーンの逆襲』でのスポックの台詞「君は...私の友達だ。私は、そしてこれからもずっと、君の友達だ」に由来する[43]。4度目で最後の言及は、センチネルプライムが制御ピラーを作動させる際、『スタートレックII』と『スタートレックIII ミスター・スポックを探せ!』でのスポックの台詞「多数の利益は、少数の利益に優先する」を引用するシーンである[43]。
撮影
2010年7月、シカゴでの『トランスフォーマー/ダークサイド・ムーン』のロケ撮影中、ワッカー・ドライブで爆発が起きる。
シカゴで撮影中の『トランスフォーマー3』。オートボットの破壊員トップスピンは、重武装したシボレー・インパラを前面に出している。
ピータービルト379と黄色いカマロが並び、その後ろに2台のパトカー。建物群の近く。
『トランスフォーマー/ダークサイド・ムーン』のセットで使用された車両。
製作費は1億9500万ドルと報告されており、うち3D撮影にかかった費用は予算の3000万ドルを占めた[6]。撮影準備は2010年4月7日、インディアナ州北西部、特にゲーリー周辺で始まり、ここは映画の中でウクライナの代役を務めた[44][45][46]。主要撮影は2010年5月18日に始まり、シカゴ、フロリダ、モスクワなどのロケ地で行われた[47][48]。最初の6週間はロサンゼルスで費やされ、シャーマンオークス、フォースアベニュー、5.メインなどで撮影された。次の4週間はシカゴで費やされ、ラサール通り、ミシガン大通り、リンカーンパークのバチーノズ・オブ・リンカーン・パーク（ノースリンカーンアベニュー2204番地）、そしてウィリスタワー周辺で撮影された[49]。ミシガン大通りでの撮影では、多くの花火とスタントが行われた[50]。デトロイトでの撮影は8月に予定されていたが、シカゴでの撮影が9月1日まで延長された[51]。9月下旬、製作はフロリダのNASAケネディ宇宙センターに移り、スペースシャトルのミッションSTS-133の打ち上げ前に撮影が行われた[52]。シーンは第39発射施設、組立棟、宇宙船処理施設で撮影された[53]。
戦闘服を着て銃を持った4人の男性と、白いシャツに帽子をかぶり、ショーツにトランシーバーをつけたクルーが、戦争で荒廃した街に似せたセットに立っている。
2010年7月公開予定の『トランスフォーマー/ダークサイド・ムーン』のキャスト。
ワシントンD.C.での撮影中、スタッフはナショナル・モールで撮影し、ベイはその場所でカーチェイスを行うと述べた。追加で発表された2つのロケ地は、ミルウォーキー美術館と、かつてのミルウォーキー北部のタワーオートモーティブの建物で、当時は複合用途への再開発中であり、市の装備ヤードも含まれていた。撮影はシカゴでの作業終了後、そこで行われる予定だった[54]。9月23日、デトロイトのオールド・シティ・ホールでシーンが撮影された。10月16日、1960年代後半を舞台にしたフラッシュバックシーンが、ヒューストンのジョンソン宇宙センターで、当時のファッションや髪型をしたエキストラを使って撮影された[55]。また、カンボジアのアンコール・トムでも1日撮影が行われた[56]。その他、アフリカや中国でのロケも計画されていたが[57]、映画の実写フッテージの約70％は3Dで撮影されたものの[58]、アリ・アレクサやソニーF35カメラを使用しており[59]、映画の半分以上は、3D撮影によって生じる技術的な欠陥を修正するために、依然としてポストプロダクションで3D変換する必要があった[60]。ポストプロダクションで3D変換が必要だった他のフッテージには、完全にコンピューター生成された映像や、35mmフィルムでアナモフィック撮影されたものがある[58]。35mmフィルムは、スローモーションのシーンや、顔のクローズアップショット、空のショットなど、HDの3Dデジタルカメラが提供するよりも高い画質が求められるシーンに使用された[58]。35mmカメラは、3Dカメラが重すぎる、またはほこりによるフラッシュや電気的損傷の危険性があるシーンでも使用された[58]。主要撮影は2010年11月9日に正式に終了した[61]。
『ダークサイド・ムーン』には、マイケル・ベイ監督の以前の映画『アイランド』（2005年）からの再利用されたフッテージが含まれていることが判明した[62]。ベイは以前、第1作『トランスフォーマー』でも、自身の映画『パール・ハーバー』（2001年）から同じフッテージを再利用していた[63]。
事故
シカゴでのサム・ウィットウィッキー（シャイア・ラブーフ）とディラン・グールド（パトリック・デンプシー）の取っ組み合いの撮影。
2010年9月2日、インディアナ州ハモンドでのスタント撮影中、溶接の不具合によりケーブルが破断し、牽引されていた車から鋼鉄ケーブルが外れ、エキストラの車に衝突、彼女の頭蓋骨を損傷するという事故が発生し、撮影が遅れた。エキストラはガブリエラ・セディージョと特定され、脳手術を受けた[64]。この負傷により、彼女は永続的な脳損傷、左半身麻痺、そして左目の失明を負った[65][66]。パラマウントは事故に対する責任を認め、セディージョの医療費を全額負担した[67]。しかし、セディージョの家族は10月5日、パラマウントと他の数人の被告（ベイは含まれず）に対して、計35万ドル以上の損害賠償を求める7件の過失訴訟を提起した[68]。セディージョの弁護士トッド・スミスは、「この24歳の若い女性は魅力的で、演技に対する夢と願望を持っており、この種の負傷は彼女の夢に壊滅的な影響を与える可能性がある」と述べた[69]。訴状は、「セディージョは将来にわたって耐え忍び、また耐え忍ばなければならない、痛みと苦痛、身体的変形と障害、通常の生活の喜びの喪失、稼ぐ能力の喪失、そして将来の医療費の負担を被っており、これらはすべて永続的なものである」と述べている[69]。訴えに対し、パラマウントは次のような声明を発表した。「私たちは皆、この事故が起こったことを深く悲しんでいます。ガブリエラ、彼女の家族、そして愛する人々に思いやり、祈り、そして幸運を送ります。プロダクションは、この困難な時期にガブリエラと彼女の家族を引き続き全面的に支援します」[69]。2012年5月、パラマウントとセディージョ一家との間で1800万ドルの和解が成立したことが明らかになった[70]。インディアナ州のOSHAの調査は批判を浴びた[71]。
2度目の事故は、2010年10月11日にワシントンD.C.のサウスウェスト地区、3rdストリートとメリーランド・アベニューでのカーチェイスシーン撮影中に発生した。メトロポリタン警察のK9部隊のSUVが、映画のキャラクター、バンブルビーを演じるカマロに誤って衝突されたのだ。現場はワシントンD.C.警察によって封鎖されており、なぜSUVがそこにいたのかは明らかではない。両方のドライバーに怪我はなかったが[72]、カマロは大きな損傷を受けた[73]。報道によると、K9部隊は爆発物処理班の対応の一環として爆弾テロの通報に向かっていたが、撮影現場を警備していた部隊と同じ無線周波数を使用しておらず、バンブルビーのカマロに衝突するまで車が逆走していることに気づかなかったという。衝突を目撃した多くのファンは、バンブルビーのカマロが受けた損傷に衝撃を受け、キャストとスタッフは迅速に対応し、損傷したカマロを覆い、現場を確保した[74]。
視覚効果
『トランスフォーマー』の前作と同様に、インダストリアル・ライト＆マジック（ILM）が『ダークサイド・ムーン』の主要なVFX CGI制作会社であった。ILMは主要撮影開始前の6ヶ月間、プリビジュアライゼーションの段階で作業を行い、その結果、20分間の映像がもたらされた[75]。デジタル・ドメインも350ショットのCGIをレンダリングし、これにはキャラクターのレーザービーク、ブレインズ、ウィーリー、月に隠されたディセプティコンのプロトフォーム、スペースブリッジ、パラシュート降下のシーンなどが含まれる[76][77]。
外部メディア
映画の効果についてのインダストリアル・ライト＆マジックのインタビュー
オーディオを再生する インタビューを聞く
ILMのVFXスーパーバイザー、スコット・ファラーは、「映画の効果は野心的であるだけでなく、3Dのために設計されなければならなかった」と述べ、この新しい視点に対する会社の解決策について説明している。「我々は、すべてが可能な限り明るいことを確認しなければならなかった。マイケルは映画館のオーナーに電話して、劇場のランプを明るくするように確実にしてもらった...すべてを少しシャープにした。なぜなら、各段階で何が起こっても、最終上映までには、物事はシャープでなくなる傾向があると分かっていたからだ」[78]。ILMが『ダークサイド・ムーン』に取り組んだ最後の週末、同社のレンダーファーム全体が映画に使用され、ILMは1日あたり20万時間以上、つまり24時間で22.8年分のレンダリング時間を実行することができた[13]。ファラーは、3D用に巨大ロボットを作り上げる細部にこだわり、トランスフォーマーの顔のクローズアップでは、「人間の頭や動く頭のような滑らかな表面の物体とはまったく異なり、これらの部品の隅々にあるすべての細部を見ることができる」ことを確認した。スーパーバイザーは、ベイの映画的スタイルがロボットをシーンに溶け込ませるのに役立ったと述べている。それは「マイケルが、通常の実写シーンでさえ、ショットに前景/中景/後景の深さを求めているからだ。彼は『ここに何かをぶら下げろ！』と言う。それはストッキングかもしれないし、ピントの合っていない紐からぶら下がったフォークとナイフかもしれない。何でもいいんだ。しかし、それは焦点深度と深みを与え、ショットをより面白くする」[79]。
高層ビルが立ち並ぶ街で、ジェットスラスターを背負いキャノン砲を構えたロボットが、大きなヘビのようなロボットに向かって飛んでいく。大きなロボットの触手が爆発している。
非常に詳細なドリラーには、70,000以上のパーツが必要であり、これは10,000パーツのオプティマスプライムをはるかに上回る。
最も複雑な効果は、ウナギのような体に回転する刃、ナイフ、歯を持つ巨大なヘビのような生物「ドリラー」に関するものだった。『リベンジ』では、デバステーターをIMAXフォーマット用にレンダリングするのに1フレームあたり72時間かかり、そのフレーム数は約4,000フレームだった。ドリラーについては、レンダーファーム全体を必要とし、1フレームあたり最大122時間を要した[75]。最も複雑なシーンの1つは、ドリラーがコンピューター生成された超高層ビルを破壊するシーンで、これには1フレームあたり288時間を要した[78]。このシーケンスのために、ILMは独自の物理シミュレーションエンジンを駆使して、建物の破壊を表現した。これには、床やコンクリートの壁、窓、柱、オフィス家具の破片などの粉砕が含まれる。ILMのデジタルプロダクションスーパーバイザー、ナイジェル・サムナーは、「建物を引き裂く方法を見つけるために、最初から多くのテストを行い、多くのプロセスの選択肢を検討した。高さ70フィートの建物は、内部に入り、破断や粉砕が発生したときの形状を定義するために手動で構造線を引く必要があり、それは時間と労力を要するプロセスだっただろう。建物の床はコンクリートでできているかもしれないが、それが引き裂かれたとき、コンクリートはどのように破断するのか？ 柱は同様の材料でできているが、鉄筋や他の工学的要素でできている。我々は建物がどのように破壊されるかを検討し、その後、シミュレーション中に建物の特性を実現するのに役立つ最良のツールを選択する」と説明している[79]。
大きな赤と灰色の、人間の形をしたロボット
白黒写真の俳優ショーン・コネリー、背景にたくさんの風船と2人の人物
センチネルプライム（左）は、俳優のショーン・コネリー（右）をモデルにしている[13]。
シカゴのシーンのほとんどは実際のロケ地で撮影された。ベイは、金属板のショットは実際の街で撮影されなければならないと信じていたからだ。ファラーは、実際のロケ地で撮影し、その後、映画をコンピューター生成画像と融合させるというアイデアに惹かれた。彼は言う。「我々は可能な限り実際に撮影しようと努めている。最近、街全体が荒廃し、すべてCGIの映画を見たことがあるかもしれないが、『トランスフォーマー』は違う。なぜなら、我々は実際にシカゴに行ったからだ。実際のものから始めれば、リアルに見せるためにはるかに多くの素材を扱うことになる。だから、あそこにいた数ヶ月間、私はヘリコプターに乗って、実際の建物の金属板を空撮し、その後、背景全体に破壊——煙、火、瓦礫、戦闘機、戦争、戦闘、壊れた道路——を実際の都市景観に追加することになる」[79]。ILMのスタッフ4人がシカゴに赴き、1日の異なる6つの時間帯に建物を上から下まで撮影し、一部のシーンで使用される街のデジタルモデルを構築した[13]。ILMのチームは、多くの重要なアクションシーケンスをデザインした[13]。シカゴの戦いのアイデアの多くは、ヘリコプターによる空撮から生まれた[75]。
アニメーターのスコット・ベンザは、センチネルプライムの顔は「他のロボットよりも人間らしく」、より複雑な構造と「より多くのプレート」を持ち、より多くの表情を可能にしていると述べた[13]。ILMはセンチネルプライムの容貌の多くをショーン・コネリーから着想を得ており、レナード・ニモイが声を担当することが決まった後、エフェクトはニモイの演技を組み込むように調整された。各ロボットの制作には約30週間を要した。当初、センチネルプライム、オプティマスプライム、メガトロンの戦いはシカゴ川の水上で行われる予定だったが、予算が削減され、ILMはそのバージョンの最終決戦をベイに提示したくないと判断し、川にかかる橋の上で戦いが行われることになった[75]。バンブルビーが空中で変形しながらサムとレノックスを掴むシーンでは、シャイア・ラブーフのデジタル肖像と、高速撮影された俳優の実写映像が使用され、エフェクトチームがスローモーションでタイミングを調整できるようにした[79]。
ベイはすべての映画をアナモフィックフォーマットで撮影するため、『ダークサイド・ムーン』の映像は「圧縮」されて歪みが生じ、ILMはロボットを追加して「歪みを補正」することになる[75]。使用された多様な撮影フォーマット—シングルカメラ、2台のカメラを搭載した3Dステレオリグ、アナモフィックレンズと球面レンズ—は、特にILMが3D変換を担当する会社に3Dマテリアルを納品する期限があったため、困難であることが判明した[13]。ILMは600の3Dショットを制作し、デジタル・ドメインは200ショット未満であった[75]。一方、映画の主要な3D変換会社であるLegend3Dは、映画の78分間にわたって作業し、チャレンジングでないVFXショットの約40分と、VFXショットの38分を完了した[80]。
アイリデッセント
背景
シングル・リミックス版「アイリデッセント」は、モスクワの赤の広場（写真）でライブ披露された。
2011年4月、バンドのウェブサイトに、歪んだオートボットの画像と、曲「アイリデッセント」（現在は入手不可）の歌詞の一部をあしらったスプラッシュページが現れた。数日後、バンドのリードボーカリストの一人であるマイク・シノダは、この曲が『数千の太陽』からの4枚目のシングルになることを認めた。また、映画『トランスフォーマー/ダークサイド・ムーン』のために短いバージョンが作られ、それがインターネット上で広まっていることも認めた[1]。シノダは、このコラボレーションは、映画シリーズの監督マイケル・ベイが、バンドが引き続き『トランスフォーマー』映画と曲を組ませる可能性について電話をしてきたことから始まったと述べている（第1作には「ホワット・アイヴ・ダン」が使用され、第2作には特に「ニュー・ディバイド」が録音された）。シノダは、この曲がファンの間で人気があり、映画に「自然にフィットする」と感じたため、この曲を映画に使用することに決めた。この曲はあまり「ストレート」な曲ではなかったが[2]、映画音楽の作曲家であり、バンドの長年のファンでもあるスティーブ・ジャブロンスキーは、この選択に同意し、この曲は自身の映画音楽や映画のストーリーに完璧にマッチすると述べた[3]。シノダとジャブロンスキーは、前作よりも「ポジティブ」であると評される映画と、バンドの状況（過ちから学び、異なる方向へ進むこと）に合致するため、この曲が適切な選択であることに同意した。
「アイリデッセント」は、混乱と悲しみの中での希望についてのロック・バラードである。アルバム・バージョンの曲は、前曲「ウィズダム、ジャスティス・アンド・ラブ」から続き、イ短調のピアノとマイク・シノダのヴァースで始まる。コーラスはハ長調で歌われ、曲の終わりに向かって次の曲「フォールアウト」へと続く。
ハンス・ジマーは、スティーブ・ジャブロンスキーやリンキン・パークと協力して、この曲を映画音楽に取り入れた。この曲は数回登場し、特にシンセサイザーとピアノで奏でられるオープニング・テーマは、それらが登場するシーンのトーンに合わせてアレンジされている[4]。
最初に流れるのは、サムがカーリーが新しい車を手に入れたことを知るシーン。2度目は、サム・ウィットウィッキーがオートボットたちと再会するシーンで、ピアノだけのト短調に音量が絞られているように聞こえる。3度目は、サムが両親から恋愛相談を受けるシーンで、こちらはイ短調。4度目は、サムとエップスがシカゴに潜入するシーンで、これもイ短調でシノダのボーカルが入る。これらの登場は、この曲のテーマと、本作のテーマ、そして前2作の音楽が混ざり合っているのが特徴である。
最後に流れるのは、イ短調での最初のヴァースの音楽として導入され、クレジットが上がる中、唯一の完全なバージョンへと続く。ただし、コーラスの部分は短くカットされ、その後ブリッジの「Let it go」へと続く。
シングル編集版は、アルバム・バージョンより1分短く、3番のヴァースの一部や曲の他の部分がカットされている。アルバム・バージョンにはないドラムビートの追加など、いくつかの楽器パートが削除または追加されている。6人のメンバー全員が歌う3番目のフックはカットされ、ブリッジの「Let it go」へと続き、ピアノの一部が短縮された、短くなった4番目のフックへと進む。
前作のシングル「バーニング・イン・ザ・スカイズ」と同様、ヴァースはシノダが歌い、リードボーカルのチェスター・ベニントンがハーモニーとコーラスを担当している。3番目のコーラスでは、バンドの6人のメンバー全員がコーラスで参加している。
舞台裏映像（LPTV）のいくつかでは、曲の3番目のコーラスでの6人全員による歌唱[5]や、曲に関する初期の話し合い[6]など、「アイリデッセント」の制作と発展の様子が映し出されている。
6月、リンキン・パークは「アイリデッセント」のアートワークコンテストを開催し、優勝作品はモスクワの赤の広場で行われた『トランスフォーマー/ダークサイド・ムーン』のプレミアイベントでのバンドのコンサートステージに展示されることになった。アートワークはリンキン・パークの公式deviantArtに提出された[7]。彼らは2011年6月23日に優勝者を発表した。しかし、上記の優勝アートワークに加えて、彼らはコンテストの準優勝者のアートワークもコンサートで展示した[8]。コンテストの優勝者は、マレーシアのマラッカ出身のワン・ムハンマド・アジム。準優勝者はベルギー出身のアシュカン・ハラティ。他の2人のファイナリストは、セルビア出身のサニャ・グルビッチとアメリカ合衆国出身のマシュー・ジョンソンだった[9]。
HBOは、2011年から2012年の秋の番組や、HBO Goアプリで紹介された2012年の映画のプロモーションにこの曲を使用した[要出典]。
パワー・バラード
「パワー・バラード」はこちらに転送されています。その他の用法については、パワー・バラード (曖昧さ回避) をご覧ください。
パワー・バラード
パワー・バラードの感情的な側面を強調するため、人々はしばしば、より大きな炎を上げるよう調整されたライター（または、より最近の代替手段として、スマートフォンの画面を点灯させたり、懐中電灯機能を使ったりする）を掲げる[40][41]。
様式的起源
アリーナ・ロック、ポップ・ロック、ヘヴィメタル、ハードロック
文化的起源
1970年代初頭
その他のトピック
ソフトロック、グラム・メタル、パワー・ポップ、ポスト・グランジ、アダルト・コンテンポラリー
イギリスの音楽社会学者で元ロック評論家のサイモン・フリスは、パワー・バラードの起源は、特にレイ・チャールズによる感情的なソウルフルな歌唱と、エリック・バードン、トム・ジョーンズ、ジョー・コッカーといったアーティストによるこのスタイルの翻案にあり、ゆっくりとしたテンポの曲を、ドラム、エレクトリック・ギター、時にはクワイアを主要な楽器として、しばしば大きな感情的な盛り上がりを見せるコーラスへと構築していくことにあると特定している[42]。チャールズ・アーロンによれば、パワー・バラードは1970年代初頭、ロックスターたちが「マッチョなロッカー」という神秘性を維持しながらも、聴衆に深遠なメッセージを伝えようとしたときに生まれたという[43]。典型的なハードロックのパワー・バラードは、歌詞を通して愛または悲しみを伝え、重いドラムと歪んだエレクトリック・ギターのソロによる言葉のない強度と超越的な感覚へと構築され、それがパワー・バラードの「パワー」を表している[44][45]。
アーロンは、1976年までにハードロック・バラードがアメリカの主流で盛り上がりを見せ、FMラジオがバッドフィンガーの「ウィズアウト・ユー」、レッド・ツェッペリンの「天国への階段」、エアロスミスの「ドリーム・オン」といった初期の情熱的な曲に新たな命を吹き込んだと論じている[43]。カーペンターズの1972年のシングル「愛にさよならを」も、トニー・ペルーソのハードロック・ギター・サウンドをフィーチャーした、パワー・バラードの原型として特定されている[46]。イギリスのヘヴィメタル・バンド、ジューダス・プリーストは、「ドリーマー・ディシーバー」や「ビヨンド・ザ・リアルムズ・オブ・デス」を皮切りに、数多くのパワー・バラードを書いている[45]。
アメリカのロックバンド、スティクスは、1973年の「レディ」で、最初のパワー・バラードをリリースしたとされている[47]。バンドのソングライター、デニス・デヤングは、「パワー・バラードの父」と呼ばれている[48]。1980年代までに、ジャーニーやREOスピードワゴンといったバンドは、パワー・バラードを、より多くのラジオでのオンエアを望み、より遅く感情的なラブソングで女性リスナーにアピールしようとするハードロック・アーティストの定番曲にするのに貢献した[要出典]。モトリー・クルーは、「ホーム・スイート・ホーム」や「君の全てが必要」といった曲でこのスタイルを披露したバンドの一つである[49]。ほとんどすべてのハードロック/グラム・メタル・バンドは、各アルバムに少なくとも1曲はパワー・バラードを書き、レコード会社はしばしばこれらをアルバムからの2枚目のシングルとしてリリースした[要出典]。
1980年代のハードロックとグラム・メタルの過剰さへのアンチテーゼとしてグランジが登場したとき、その顕著な特徴の一つはパワー・バラードの不在だった[49]。しかし、アリス・イン・チェインズの「ルースター」（1992年）や、サウンドガーデンの「ブラック・ホール・サン」（1994年）など、その時代のいくつかの曲は、この用語で説明されており[50][51]、ポスト・グランジのサブジャンルの曲にはバラードが含まれている[要出典]。
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キングコング
製作
開発
詳細情報: キングコング § コンセプトと創造
アメリカ自然史博物館に展示されているチャールズ・R・ナイトのティラノサウルス。これは、映画に登場する大型獣脚類の原型となった[12]。
共同監督アーネスト・B・シュードサックは、メリアン・C・クーパーと共同監督した『チャン』（1927年）や『レンジョー』（1931年）の監督時に、すでに類人猿を撮影した経験があり、これらの作品では本物のジャングルのセットで類人猿が大きくフィーチャーされていた。コンゴ・ピクチャーズは、この流行に乗り、疑似ドキュメンタリー『インガギ』（1930年）を、「生きた女性がマンモスゴリラに生贄として捧げられる様子を描いた、議論の余地のないセルロイドのドキュメンタリー」として宣伝することで利益を得た。『インガギ』は現在、しばしば人種差別的なエクスプロイテーション映画と見なされている。なぜなら、黒人女性がゴリラや人間よりも類人猿らしい子ゴリラと性行為を行う様子を描いているからである[13]。この映画は瞬く間に成功し、一部の推定によれば、400万ドル以上の収益を上げ、1930年代で最も興行収入の高い映画の一つとなった。クーパーは決して『インガギ』を『キングコング』に影響を与えた作品として挙げなかったが、RKOは『インガギ』が「ゴリラ＋セクシーな女性がピンチ＝大儲け」という原則を実証し、良い前例となったため、『コング』をゴーサインした[14]。
1929年以来、クーパーはゴリラについての映画を作りたいと考えていた[15]。友人のW・ダグラス・バーデンの探検に触発され、クーパーはコモド島のジャングルでの撮影を考えた[16]。彼はバーデンの『コモド島のドラゴントカゲ』を読み、その結果、ゴリラが巨大なトカゲと戦うというアイデアを思いついた[17]。クーパーは後に、これが最終的な映画に「最も重要な影響」を与えたと述べている[18]。1931年にRKOに入社したとき、クーパーはプロットに美女と野獣のテーマを組み込むことにした[19]。映画の冒頭にある「アラビアの諺」は、クーパーが創作したものである。「そして見よ！ 野獣は美の顔を見つめ、その手は殺しをやめた。そしてその日から、それはまるで死んだ者のようになった」[20]。当初、クーパーはアフリカとコモド島での撮影を計画していたが、RKOの重役たちが費用がかかりすぎると判断し、このアイデアは却下された[21]。RKOは大恐慌のため倒産の危機に瀕していた[22]。ストップモーション・アニメーターのウィリス・オブライエンは、クーパーがゴリラ映画を作りたいと聞き、巨大なゴリラが女性を抱いている絵を描いてクーパーに渡した。その後、クーパーはテストリールの使用を依頼し、セルズニックによって承認された[23]。オブライエンはテストリールで様々なシーンを試した[24]。最終的に映画に含まれたこれらのシーンのうちの2つ[25]は、キングコングとティラノサウルス・レックスの戦いと、コングが丸太から男たちを振り落とすシーンを示している[26]。テストリールは『史上最大の作戦』の製作と同時に作られた[27]。その間、クーパーはキャストを雇い、『キングコング』のセットを建設していた[28]。ジャングルの実写シーンには、クーパーは『史上最大の作戦』のセットを使用した[27]。クーパーはシュードサックが『史上最大の作戦』を完成させるまで実写シーンの監督を担当し[29]、その後シュードサックが実写シーンを監督し、クーパーは既に撮影されたアニメーションと組み合わせる実写シーンに集中した[30]。マルセル・デルガードはキングコング、恐竜、人間の試作模型を開発したが、これらには骨組みがなかった[31]。その後、約3ヶ月でテストリールは完成した[32]。スタジオの重役が映画の製作を承認した後、クーパーはストーリーをさらに発展させた[33]。オブライエンのアイデアもストーリー展開に貢献し、彼はキャラクターたちがキングコングを神として見ることを提案した[18]。
日本語訳
クーパーは映画史家ルディ・ベルマーとのインタビューで、コングと戦っているのはアロサウルスだと強調しているが、プロモーション画像ではコングがティラノサウルスと戦っている。
撮影は完全な脚本がないまま始まった[34]。クーパーはエドガー・ウォーレスを雇い、脚本を書かせた[35]。ウォーレスは1931年12月に脚本の執筆を開始した[36]。クーパーはウォーレスに、脚本に何を盛り込みたいかを伝えた[36]。ウォーレスの草稿には、何度か性的暴行未遂のケースが含まれていたが[37]、後にルース・ローズによって削除された[38]。彼の草稿には、登場人物間の人種的緊張も含まれていた[38]。草稿を書いている間、彼は「死体を使わずに良い恐怖映像を得られることをまだ望んでいるし、コングが何かすごいものであると確信している」と書いている[39]。ウォーレスは1932年1月までにラフな草稿を完成させ[40]、その1ヶ月後に亡くなった[41]。彼のアイデアのいくつかは、例えばコングがアンの服を彼女の体から引き裂くシーンなど、最終的な映画に反映された[25]。彼はまた、ニューヨークのシーンのラフな草稿を書き上げており、それは最終的に映画に登場するシーンや、ジャングルの追跡シーンと似ていた[37]。ジェームズ・A・クリールマンが脚本の執筆を引き継いだ[42]。草稿の中で、彼は登場人物の役割を変更し、デンハムをアンの残酷な叔父にした。クーパーはこれを好まず、「重苦しさが大きすぎる」と述べた[38]。クリールマンは、ウォーレスのジャングル追跡シーンを、完成した映画のように見えるように改作した[43]。クリールマンはクーパーの要求に応えるのが難しいと感じ[44]、映画が信憑性を持つには、空想的な要素が多すぎると感じていた[45]。彼は「物語が収め、意味をなすことができる要素の数には、達成可能な限界が確かにある」と反論した[46]。彼はクーパーの要求を取り入れたが、会話は長すぎることが判明した[47]。クーパーはクリールマンの成果に満足せず、6月までにクリールマンは辞任することを決めた[48]。クリールマンの後任を見つけるのに苦労した後、クーパーは7月にルース・ローズを雇った[29]。彼女はそれまでに脚本を書いたことがなかった[49]。彼女はクリールマンの会話のほとんどを書き直し[50]、クリールマンが当初ニューヨークでの映画の導入部を書いていたが、ローズはそれを磨き上げると同時に、街でのシーンのほとんどを書いた[51]。ローズは、他の脚本家が苦労していたアンとジャックのラブストーリーを盛り込むことに成功した[52]。ローズはまた、「おとぎ話のような」側面も加えた[38]。映画が公開されると、ウォーレスは脚本のクレジットを得た。クーパーが彼にクレジットを約束していたからである。スタジオはまた、ウォーレスが有名な作家であったため、これを好意的な宣伝を得る機会と見なした[53]。
著作権に関する懸念
『キングコング』の製作者たちは、『魔人ドラキュラ』や『フランケンシュタイン』のような他の映画からインスピレーションを得ていた。その影響は大きく、RKOの重役たちは著作権侵害を懸念した[54]。重役たちはRKOの弁護士と潜在的な問題について話し合った[55]。さらに、彼らの懸念には、『インガギ』、『モルグ街の殺人』、『地底旅行』、『ロスト・ワールド』といった他の作品との関連性も含まれていた。アーサー・コナン・ドイルの『ロスト・ワールド』は、最も懸念された[56]。『ロスト・ワールド』と『キングコング』はどちらも、原始的な生き物が現代社会に連れてこられるという内容だった[57]。クーパーは類似性に異議を唱えたが[57]、スタジオはこの小説の権利を購入した[58]。その後、クーパーは、もしスタジオが宣伝目的で映画をドイルの名前と結びつけようとすれば、消費者は映画が新鮮ではないと思うかもしれないと恐れた。結局、ドイルの遺産管理団体は、スタジオが映画をドイルの名前と結びつけないことを許可した[59]。
特殊効果
実写俳優とストップモーション・アニメーションを組み合わせたカラー宣伝写真。
『キングコング』は、ストップモーション・アニメーション、マット・ペインティング、背景投影、ミニチュアなどの特殊効果の先駆者であった[60]。頭蓋骨島に生息する先史時代の生き物は、ウィリス・H・オブライエンと彼のアニメーション助手であるE.B. "バズ"・ギブソン、キャロル・シェパード、マルセル・デルガード、オーヴィル・ゴールドナー、フレッド・リーフによって、ストップモーション・アニメーションを用いて命を吹き込まれた[61][62]。ストップモーション・アニメーションのシーンは、骨が折れ、達成が困難だった。特殊効果チームは、光が不均一になるため、日中はスタジオを離れることができなかった[63]。ジャングルの風景は、マリオ・ラリナガとバイロン・L・クラッベによって制作された、重ね合わせたガラス絵によって作成された[64]。これらの画像は、デンハムの乗組員が最初に到着したときに使用された。このショットは、別々に撮影された鳥の要素と、船と俳優の背景投影で構成されていた[65]。
特殊効果チームにとって最も難しい作業は、実写映像を、別々に撮影されたストップモーション・アニメーションと相互作用させ、人間と生き物の相互作用をリアルに見せることであった。これらの最も単純な効果は、フレームの一部を露光し、次にフィルムの同じ部分をカメラに通して再露光し、フレームの別の部分を異なる画像で露光することによって達成された。このプロセスはマットと呼ばれる[66]。最も複雑なショット、つまり実写俳優がストップモーション・アニメーションと相互作用するショットは、2つの異なる技術、ダニング・プロセスとウィリアムズ・プロセスを使用して、移動マットの効果を作り出すことによって達成された[67][68]。
ブロントサウルスのストップモーション・アーマチュア。
実写俳優とストップモーション・アニメーションを合成するために使用されたもう一つの技術は、背景投影であった[69]。俳優の背後に半透明のスクリーンがあり、映写機がその半透明スクリーンの裏側に画像を映し出す[65]。これは、RKOがこの技術を使用した最初の映画であった[70]。コングとティラノサウルスが戦い、アンが近くの木の枝から見守っているシーンで使用された。ストップモーション・アニメーションが最初に撮影された。その後、フェイ・レイは偽の木に22時間座り、戦いを観察する彼女の演技を行った。戦いは、彼女が投影されたストップモーションの戦いを見ながらカメラが彼女を撮影している間、半透明のスクリーンに投影された[71]。彼女は撮影後、数日間痛みに苦しんだ。同じプロセスは、ベンチャー号の船員がステゴサウルスを殺すシーンにも使用された[72]。オブライエンと彼の特殊効果チームはまた、ミニチュアセットで背景投影を使用する方法を考案した[73]。実写映像を投影する小さなスクリーンが模型の中に組み込まれた[65]。投影された映像が溶けたり発火したりするのを防ぐために、扇風機が使用された。この小さな背景投影は、コングが洞窟に隠れているドリスコルを捕まえようとするシーンで使用された。コングがアンを木の上に置くシーンでは、レイは彼女のシーンを演じている間、コングのシーンが背後に投影された[74]。彼女は投影された画像をはっきり見ることができず、見えたぼやけたものに従って演技しなければならなかった[30]。この映画のアニメーションは55週間かけて完成した[75]。
プロデューサーのメリアン・C・クーパーが、一部のクローズアップシーンで使用された等身大のキングコングのメカニカルモデルを調べている。1933年頃。
クーパーはリアリズムを追求し、コングをゴリラの着ぐるみを着た俳優に演じさせるべきではないと主張した[57]。長年にわたり、一部の報道筋は、いくつかのシーンではコングがゴリラの着ぐるみを着た俳優によって演じられたと主張している[76][77]。しかし、映画史家は一般的に、コングが登場するすべてのシーンはアニメーションモデルで撮影されたことに同意している[78][79]。これらのモデルの高さは約14～18インチ（36～46cm）で[80][81]、金属フレームに綿布、ラテックス、ウサギの毛をかぶせて作られていた[82]。アニメーターがモデルを操作すると毛が動き、これがコングの意図しない特徴となった。モデルは毎日の撮影後にメンテナンスが必要だった[83]。コングの顔と上半身のクローズアップショットは、デルガードがデザインしたコングの頭と肩の等身大のメカニカルモデルを撮影することで達成された[84]。このモデルは、高さ50フィートの獣と同じ大きさで、40枚の熊の皮で覆われていた[85]。生きた怪物を模倣するために、目と口を制御するには6人のオペレーターが必要だった[66][85]。アンを抱くコングのクローズアップショットのために、それに比例した巨大な腕と手も作られた[81]。恐竜のモデルは、オブライエンの製作中止になった映画プロジェクト『クリエイション』から再利用された[42]。製作は1933年1月に完了した[36]。製作費は672,254.75ドルに上り、その一部には『クリエイション』の費用も含まれていた[86]。
音響効果とスコア
マレー・スピヴァックは、この映画の音響効果を開発した。コングの咆哮は、録音されたライオンとトラの鳴き声を混ぜ、それを逆回転でゆっくり再生することで作られた[87]。スピヴァク自身も、メガホンに向かってうめき声を発し、それを低速で再生することで、コングの「愛のうめき声」を担当した。コングの足音のために、スピヴァクは足にベローズを取り付け、フォームで包んだ小石を敷き詰めた箱を踏みつけた[88]。コングの胸を叩く音は、スピヴァクがアシスタントの背中にマイクを当て、ドラムスティックで胸を叩いた録音である[89]。スピヴァクは、最初の恐竜にはエアコンプレッサーでシューという音やかすれ声を作り、後の恐竜には自身の叫び声を使った[90]。ティラノサウルスの鳴き声には、ピューマの咆哮も混ざっていた[90]。スピヴァクはまた、様々な乗組員の悲鳴も担当した[90]。フェイ・レイは、彼女のキャラクターの叫び声すべてを、一度のレコーディングセッションで自分で録音した[91][92]。レイは、その後「数日間、ささやくことさえできなかった」と説明している[50]。彼女の叫び声は、『キン・コングの息子』や『死亡遊戯』など、他の映画でも使用された[3]。
映画の資金は底をつきかけていたが、クーパーとシュードサックは、コングがキャラクターとして信じがたく見えるかもしれないと懸念し、一般的なストックミュージックを使いたくなかったため、オリジナルの映画音楽が必要だと判断した[93]。彼らはマックス・スタイナーにこの仕事を依頼した[94]。スタイナーは1932年12月9日に作曲を開始し、8週間で完成させた[95]。オーケストラは46人のメンバーで構成されていたが、録音では非常に豊かに聞こえ、80人と表現されることもある[96]。46人編成のオーケストラは、当時の他の映画オーケストラと比較して大規模だった[97]。スタイナーによると、クーパーはオーケストラの費用を支払うために、自身のポケットから50,000ドルを支払った[98]。
スタイナーは、彼自身の言葉を借りれば、「印象的で恐ろしい雰囲気」を作り出すスコアを書くことにした[94]。作曲中、彼は特にデュビュシーとラヴェルからインスピレーションを得ており、特にデンハムと彼の乗組員が頭蓋骨島に向かう海のシーンで流れる音楽に関してはそうだった[99]。このシーンでは、「霧の中の船」が始まり、ハープが波を模倣し、弦楽器が霧を模倣する[100]。スタイナーはまた、コングが死ぬ場面など、アクションシーンのスコアに不協和音を取り入れた[101]。ローレンス・マクドナルドは、この不協和音もまたデュビュシーの作曲法を反映していると説明している[102]。スタイナーが音楽と映画のファンタジー要素とのつながりを必要としたため、海のシーンは音楽が始まる最初のシーンであった[103]。音楽史家マイケル・スロウィクは、そのようなつながりが、見知らぬ感覚を呼び起こすと提案している[104]。また、この音楽は、観客が不信感を一時的に保留したいという欲求と結びついているとも指摘している[105]。音楽はコングとT・レックスの戦いの間は流れず、動物の音に置き換えられており、頭蓋骨島で音楽が流れない唯一のシーンとなっている[106][107]。音楽は後のニューヨーク市のシーンでは流れるが、飛行機がコングを包囲するときは流れない[108]。スタイナーがスコアに頻繁に書いた技法の一つは、「ミッキーマウジング」と呼ばれるものである。マクドナルドはこれを「おそらくスタイナーのスコアの最も特徴的な側面」と名付けている[109]。スロウィクによれば、このスコアは、当時の他の映画音楽よりも多くのミッキーマウジングを含んでいる[109]。彼は、「強迫的なミッキーマウジング」[110]は、ハリウッド作品というよりは、漫画で演奏される音楽を思い起こさせると指摘している[111]。あるシーンでは、島の酋長がデンハムの一行に歩み寄り、音楽が彼の足音のリズムに合わせられる[109]。スコアはまた、コングがアンが捧げられる祭壇に向かって歩くときなど、画面外で起こっている行動も反映している。以前は、この技法はサイレント映画で使用されていた[111]。
スロウィクは、スコア全体を通して3つの音楽的テーマを特定している。コングのテーマ、アンのテーマ、そしてジャングルのテーマである[112]。スタイナーはコングのテーマを作るにあたり、ワーグナーからインスピレーションを得た[113]。スタイナーは、下降する3つの音符からなるコングのテーマに、半音階主義と呼ばれる技法を用いた[114]。ピーター・フランクリンによると、他のテーマはコングのテーマの3つの音符の連なりから派生している[112]。デンハムのショーの間に流れるブロードウェイ風の曲「キングコング・マーチ」は、コングのテーマを編曲したものだが、音符は下降ではなく上昇している[115]。アンのテーマ（「盗まれた愛」）はウィンナ・ワルツであり、コングのテーマと同じ音符で始まる[116]。スタイナーは最終的に、コングの死の前に両方のテーマを1つの曲に統合している[117]。音楽伝記作家のスティーブン・C・スミスは、彼が「危険のテーマ」と呼ぶものを特定した。それは4つの音符で書かれ、「不吉」に聞こえるように意図されていた。それは「忘れられた島」で最初に登場する[116]。後に、それはドリスコルがアンに愛を告白するとき、長調に編曲されて現れる。スミスは、これは彼が「愛の危険」と呼ぶものを示唆していると指摘する[116]。後年、クーパーは「[キングコング]が成功した最大の理由は、マックス・スタイナーが当時のハリウッドで私が知っている他の誰にもできなかったことを成し遂げることができたからだ」と述べている[118]。スタイナー自身は、この映画は「音楽のために作られた」と述べた[94]。
映画が公開されたとき、そのスコアは批評家からほとんど注目されず、映画の特殊効果の革新性に overshadowed された[119]。しかし、年月が経つにつれて映画の名声が高まるにつれ、スコアはより多くの注目を集めるようになった[118]。クリストファー・パーマーは、このスコアが「ハリウッド音楽の真の始まり」であると書いている[120]。マーヴィン・クックは、このスコアが「非ダイジェティックな映画音楽の成人期への到達を告げるものにほかならない」と付け加えている[120]。彼の著書『After the Silents: Hollywood Film Music in the Early Sound Era, 1926–1934』の中で、スロウィクは、『キングコング』のスコアは多くの音楽学者が考えているほどハリウッドの映画音楽に影響を与えなかったと主張している。彼は、この映画が独特であったため、スコアが映画音楽の書き方の代替手段を提供できなかったと提案している[121]。また、スタイナーは既存のハリウッドの音楽スタイルを採用しただけだと提案している[122]。彼は、スコアが単独でハリウッド音楽の黄金時代を創造したのではなく、『キングコング』はその時代の創造に貢献した他の多くの映画のうちの1つに過ぎないと書いている[123]。スロウィクは、このスコアは「オリジナルで交響的な音楽」の両方を持っていると説明しており、これは当時の映画音楽では珍しかった[124]。スコアの一部は、『Double Harness』、『ポンペイ最後の日』、『最後のモヒカン族』などで再利用された[125]。島のスコアは、2005年のジャクソン監督のリメイク版でオーケストラの幕間劇として登場する[126]。長年にわたり、スタイナーのスコアはいくつかのレコードレーベルによって録音され、元のサウンドトラックはCDでリリースされている[127]。
日本語訳
バイオハザード
製作
開発
ドイツの製作会社コンスタンティン・フィルムは、1997年1月に『バイオハザード』の実写映画化権を取得し、脚本家のアラン・B・マケルロイを雇い、脚本を書かせた[7][8]。当時、マケルロイは別のゲーム『DOOM』の映画化脚本も執筆していたが、最終的には採用されなかった[9]。1998年6月号の『PlayStationマガジン』は、マケルロイの『バイオハザード』脚本に関する記事を掲載した。その脚本は、アクションとホラー要素が強く、非常に暴力的で、オリジナルゲームとの類似点があった。いくつかの変更点もあり、例えばアンブレラ社やS.T.A.R.S.には言及されず、代わりに、以前派遣されたSWATチームが全滅した後、屋敷の研究所から科学者を救出するために政府が派遣した特殊部隊チームが登場し、その過程でこの任務が罠であり、自分たちが医学実験の被験体であることに気付くという内容だった。脚本には、ゲームの主要キャラクターと全モンスターが登場していた。マケルロイの脚本は却下された[10][11][12]。
1998年、ジョージ・A・ロメロは、ゲーム『バイオハザード2』のテレビコマーシャルを監督した。原作ゲームのディレクター三上真司はロメロの熱狂的なファンであり、彼の映画から影響を受けていた。このCMは日本でのみ放映されたが、ソニーに強い印象を与え、ソニーはロメロに『バイオハザード』の脚本と監督を依頼した。ロメロは、秘書にゲームをすべてプレイさせ、ゲームプレイを録画させて、それを資料として研究したと語っている。ロメロの脚本は第1作目の『バイオハザード』に基づいており、ゲームのキャラクターであるクリス・レッドフィールドとジル・バレンタインが主演で、恋愛関係も描かれていた。バリー・バートン、レベッカ・チェンバース、エイダ・ウォン、アルバート・ウェスカーも登場する予定だった。映画の結末は、第1作目のゲームと同様になる予定だった[13]。ロメロはまた、アーティストのバーニー・ライトソンを雇い、映画のためのクリーチャーのコンセプトアートをデザインさせ、ライトソンは原作ゲームでの外見とロメロの脚本での説明に基づいて、タイラントのいくつかのバリエーションをデザインした[14]。2002年の『ファンゴリア』誌のインタビューで、ロメロは全部で5、6本の異なる草稿を書いたが、却下されたと述べている[15]。プロダクション責任者のロバート・クルツァーは、ロメロの脚本は良かったと思うが、承認されればNC-17指定になっただろうと述べている。また、マケルロイは良い脚本を書いたと思うが、完成した頃には第2作目が発売されており、第1作目に基づいた映画は古くさく見えるだろうと感じたため、却下したと語っている[16][17][18]。ロメロは、カプコンとコンスタンティンの多くの人々が彼の脚本を支持したが、コンスタンティンの責任者ベルント・アイヒンガーが最終的に却下したと述べている[19]。2019年、ピッツバーグ大学図書館システムは、ロメロの『バイオハザード』に関する作品に関連する資料を含む「ジョージ・A・ロメロ・アーカイバル・コレクション」を取得した。これには、ロメロの『バイオハザード』脚本の複数のコピーと、1997年5月29日付のマケルロイの脚本の初期草稿が含まれており、すべて大学で閲覧可能である[20][21]。これに基づいたドキュメンタリーが、2025年1月7日にデジタル配信された[22]。
2000年、監督ジェイミー・ブランクスが新たな映画化作品を担当することになり、ゲーム『バイオハザード2』と『バイオハザード3 LAST ESCAPE』の要素をより多く取り入れた作品になると言われていた[23]。
1995年、ポール・W・S・アンダーソンの低予算映画『モータルコンバット』は、ビデオゲームの映画化作品として最初の商業的成功作の一つとなった[24]。アンダーソンは『バイオハザード』をプレイした後、その映画的可能性を見出し、ゲームの「リフ」と表現する『アンデッド』という脚本を書いた。コンスタンティン・フィルムの責任者ベルント・アイヒンガーは非常に興奮し、アンダーソンはこの映画を『バイオハザード』の脚本へと発展させた[16]。2000年後半、アンダーソンが監督兼脚本家に任命されたと発表され、『バイオハザード』は再びプリプロダクション段階に入った[25]。アンダーソンは、この映画にはビデオゲームシリーズのいかなる部分も含まれないだろうと述べた。なぜなら、「映画の中で基準に達していない部分があまりにも多く、『バイオハザード』には良い映画化がふさわしい」からだとしている[26]。
キャスティング
2001年初頭、ミシェル・ロドリゲス[27]、ジェームズ・ピュアフォイ[28]、ミラ・ジョヴォヴィッチ[29]が、このプロジェクトに最初に契約したキャスト陣である。デヴィッド・ボレアナズは、マット・アディソン役の男性主人公の警察官としてキャスティングされる予定だったが、WBのテレビシリーズ『エンジェル』に出演し続けるため、この役を断った。ボレアナズは、映画のより小さな役について交渉していると示唆したが、後にこの役も断った[30]。マット・アディソン役は、2001年3月にエリック・メビウスがキャスティングされ[30]、マット・アディソンの妹で、アンブレラのハイブ施設で働く従業員リサ・アディソン役には、ハイケ・マカチュがキャスティングされた[31]。ジョヴォヴィッチの役のための格闘技トレーニングは、俳優で格闘家のロビン・ショウによって開始された。
撮影とストーリー展開
2001年3月初旬、映画の半分はベルリンのアドラースホフ撮影所とその周辺で撮影される予定だった[32]。主要撮影は2001年3月5日、ベルリンUバーンの連邦議会駅、ランズベルガー・アレー、クランプニッツ兵舎、当時未完成だったリントシュテット城など、多くの場所で始まった[33][34]。
この映画には当初、『バイオハザード: グラウンド・ゼロ』というサブタイトルが付けられており[32][35]、ゲームの前日譚と見なされていたが、9.11を受けてサブタイトルは削除された[36]。2001年3月16日時点の映画のあらすじでは、ジョヴォヴィッチ演じるアリスとロドリゲス演じるレインが、ウイルスの蔓延が世界の他の地域に広がるのを防ぐために派遣されるコマンドーチームを率いることが明らかにされていた[31]。レッド・クイーンというキャラクターは、ルイス・キャロルの『不思議の国のアリス』へのオマージュとして映画のストーリーに追加された[16]。
撮影中、プロのダンサーがゾンビ役として雇われた。彼らは身体の動きをよりうまくコントロールできたためである。一部のゾンビにはコンピューター効果が使用されたが、ほとんどのゾンビの外見はメイクによって作り出され、その動きは即興的なアプローチがとられた。アンダーソンは、ゾンビの状態に応じてどう動くかを俳優たちが考えるままにさせた[36]。撮影中、人手不足の問題が発生し、必要な数のゾンビを表現するのに十分なダンサーがいなかったが、カプコンの幹部や、ジェレミー・ボルトを含む数人の映画プロデューサーがカメオ出演することに同意した。映画のスタント・コーディネーターも犬の調教師役で出演し、ボルトのガールフレンドと妹もゾンビ役で出演した[36]。
映画のスコアとサウンドトラックは、マルコ・ベルトラミとマリリン・マンソンによって作曲された。2001年半ば、マンソンは、このスコアとサウンドトラックは自身の以前の作品よりも「エレクトロニック」であると説明した[37]。
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バイオハザードII アポカリプス
製作
プリプロダクション
2002年2月下旬に第1作目の『バイオハザード』をプロモーションしている間、ミラ・ジョヴォヴィッチと監督ポール・W・S・アンダーソンは、続編の可能性について話し合った。アンダーソンは、第1作目を完成させた後、第2作目の脚本を書き始めており、アリスがジル・バレンタインと出会う計画があると述べた。ジョヴォヴィッチは、もし第1作目が成功すれば、彼女のキャラクターが続編に戻ってくることを認めた[13]。3月初旬、第1作目でマット・アディソンを演じたエリック・メビウスは、続編が確定し、舞台はラクーンシティとなり、ネメシスというキャラクターが登場すると述べた[14]。続編は2002年半ばにソニー・ピクチャーズによって正式にゴーサインが出されたが、アンダーソンは『エイリアンVSプレデター』（2004年）の仕事のため、監督を辞退した。彼は引き続き脚本家とプロデューサーの一人を務めた[15]。アンダーソンはゲーム『バイオハザード3 LAST ESCAPE』をストーリーのベースとして使用し、『ニューヨーク1997』の外周の壁や『地球最後の男オメガマン』の廃墟と化した街など、自身のお気に入りの映画から着想を得て脚本を書いた[15]。アレクサンダー・ウィットがこの映画の監督に雇われ、これが彼の長編映画監督デビュー作となった。ウィットが雇われた時点で脚本は完成しており、彼はアンダーソンと共同プロデューサーのジェレミー・ボルトにいくつかの提案をし、その結果、脚本がわずかに変更された[16]。
キャスティング
ジョヴォヴィッチだけが、第1作目から役を再演した。メビウスは当初、ネメシス役としてマット・アディソン役を再演すると記者に語っていたが[14]、この役はマシュー・G・テイラーが演じることになった。メビウスは、回想シーンで使用された前作からのストック・フッテージを通じて登場している[17]。オリジナル映画にはゲームのキャラクターは登場しなかったが、『アポカリプス』には複数のキャラクターを追加する意図があった[18]。女優たちがバレンタイン役とクレア・レッドフィールド役にオファーを受けたと報じられ、後者はこの映画には登場しなかったが、プリプロダクション中にそのような報道があった[19][20]。後にアンダーソンはこれらの噂を根拠のない憶測として否定したが[21]、バレンタイン役はシエンナ・ギロリーが演じることになり、彼女はゲームでのバレンタインの動きや態度を研究してこの役の準備をした[22][23]。L.J.役は、もともとスヌープ・ドッグのために書かれたが、彼が製作から離脱し、マイク・エップスに交代した。キャラクターはエップスの個性に合うように書き直された[15]。エヴァネッセンスのギタリスト、ベン・ムーディは、ジノベイフに殺されるゾンビ役でカメオ出演した[22]。
撮影
コンピューターグラフィックスモデルと、似たような衣装を着た実物モデルの比較。どちらもニーハイブーツ、黒のミニスカート、青のチューブトップを着用。
映画でのシエンナ・ギロリーの衣装（右）は、『バイオハザード3 LAST ESCAPE』（1999年）でのバレンタインの衣装に触発されたものである。
この映画はカナダのオンタリオ州で撮影され、トロントとその周辺の郊外がラクーンシティの代役として使用された[24]。撮影はクリスチャン・ゼバルトとデレク・ロジャースによって行われ[8]、47か所のロケ地で撮影された[18]。映画のために作られたセットはごくわずかであった[15]。いくつかの都市ブロックが封鎖され、プリンス・エドワード高架橋は3日間封鎖され、橋の上でのシーンを撮影できるようにした。トロント市庁舎の外では2週間にわたって撮影が行われた[25]。ジョヴォヴィッチとマシュー・テイラーは、アリスとネメシスの戦いのシーンのために、6週間にわたり毎日数時間、共に格闘技の練習に費やした[26]。当初、この戦いは鉄道駅で行われる予定で、小道具とのやり取りに重点が置かれていたが、ウィットが戦闘シーンの時間を短縮することを決定した後、最終的にはトロント市庁舎の外のオープンスペースで撮影された[15]。ゾンビを演じるエキストラは、「ゾンビ・ブートキャンプ」で振付師とともに4日間の訓練を受け、一貫した行動と動きを確保した[27]。アンダーソンと他のスタッフは、ゾンビの動きを速くすることを検討したが、それはゲームの基本的な要素を損なうことになると判断した[15]。アンダーソンは他の仕事のため、撮影現場には数日しか姿を見せなかったが、撮影中に脚本や製作上の変更についてウィットと何度も電子メールで連絡を取り合っていた[16]。脚本の当初の結末は、アリスが念力で物体を動かしながら単独でアンブレラから逃げ出し、その後バレンタインと出会うというものだった。結末が書き直される前に、シーンの半分が撮影されていた[15]。
オリジナルの『バイオハザード』映画はゲームから大まかな要素だけを取り入れていたが、『アポカリプス』はゲームから多くの特定の特徴を取り入れ、いくつかのシーンを再現した[18]。
『バイオハザード CODE：Veronica』のオープニングカットシーンでクレア・レッドフィールドが登場するシーンは、アリスがアンブレラのヘリコプターに撃たれながら建物の中を走るシーンに影響を与えた[25]。
『バイオハザード3 LAST ESCAPE』のオープニングは、ラクーンシティがゾンビに襲われ、警官とアンブレラの兵士が応戦する別のシーンのインスピレーションとなった[15]。
映画でのバレンタインの衣装は、チューブトップとミニスカートで構成されており、『LAST ESCAPE』での彼女の衣装に基づいている[11]。
アンダーソンは、ストーリーの中で露出の多い衣装を正当化するいくつかの方法を検討したが、例えば、彼女のスパイ用の服であるとか、結局はこの問題を無視することに決め、彼女の服装に疑問を呈するような人は「『バイオハザード』の映画を観るべきではない」と述べた[15]。
この映画はまた、オリジナルゲームと『バイオハザード2』の多くの側面を参照しており、場所、地名、キャラクターの動き、小道具、カメラアングルなどがある[15]。
視覚効果
この映画の特殊効果には、コンピューター生成イメージ、マットペインティング、ワイヤー除去、スケールモデルなどが含まれていた[28]。ネメシスというキャラクターは、着ぐるみで作られ、追加されたCGI効果は彼の目の微調整だけだった[28]。テイラーは、身長6.7フィート（2.04メートル）、体重320ポンド（145キログラム）であったため、キャラクターを演じるのに適していた。着ぐるみは彼の身体のために特別に作られ、重量は約65ポンド（29キログラム）だった[26]。キャラクターの身長にもかかわらず、一部のショットでは彼を10〜20％大きく見せるためにプロポーションが調整された[15]。変異ゾンビの一種であるリッカーは、完全にCGIで作られた。エフェクトチームは当初、いくつかのシーンにアニマトロニクスを使用したが、結果に満足しなかった[28]。COREデジタル・ピクチャーズは、プレビズを提出した他のいくつかのエフェクト会社を抑えて、リッカーのアニメーション制作契約を獲得し、これが彼らがこの映画のために制作した中で最も挑戦的な特殊効果であったと述べている。スタジオは250以上の特殊効果を制作し、その中にはジョヴォヴィッチの顔をスタントダブルに合成する作業も含まれていた[29]。ジョヴォヴィッチは自身のスタントのほとんどを自分で行ったが、保険会社は彼女がより危険なスタントのいくつかを試みることを許可しなかった[22]。フランティック・フィルムズは、アイオンフュージョン、Autodesk 3ds Max、社内ソフトウェアなどのエフェクトプログラムを使用して、トレーサー、マズルフラッシュ、レーザー、スローモーション映像など、映画のために78の特殊効果を制作した[29]。Mr. X Inc.は、トロント市庁舎の破壊を描いたシーンを含む追加の効果を制作し、建物の1/6スケールの高さ43フィート（13メートル）のモデルを制作するのに4ヶ月を要し、1,600枚のガラス板を使用し、それぞれに爆発物に接続されたワイヤーが取り付けられ、最終的な効果を生み出した[28]。デジタル中間処理は、コンピューターフィルム社によって完了された。映画の色彩はポストプロダクションで大幅に調整され、全体的な外観が暗くなり、血と暴力の鮮やかさが増した。ネメシスの衣装の色もよりリアルに見えるように調整され、アリスとバレンタインには肌の輝きや唇の赤みの追加などの微調整が加えられた[15]。
サウンドトラック
『アポカリプス』のサウンドトラックは、2004年8月31日にリリースされ、映画に登場した、または映画に「インスパイアされた」オルタナティヴ・メタル曲が収録されている。オールミュージックのジョニー・ロフタスは、このサウンドトラックに5つ星中3つ星を付け、「恥知らずな金儲け」であり、この映画のティーンエイジャーの男子ターゲット層にぴったりだと述べ、「この曲の攻撃的なトーン、躁的な感じ、そして全体的な終末的な雰囲気は、凶暴なゾンビを追い払うゲームを基にした映画によく合っている」と付け加えた[30]。
ジェフ・ダナが、ロンドン・フィルハーモニア管弦楽団による映画のスコアを作曲した。このスコアは2004年9月28日にリリースされた[31]。サウンドトラック・ネットのマイク・ブレナンは、このスコアに5つ星中2つ星を付け、オーケストラと電子音楽の融合を賞賛する一方で、「より発展したテーマや多様な音楽」があれば良かっただろうと述べている[32]。
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オルタナティヴ・メタル
特徴
オルタナティヴ・メタルとそのサブジャンルの特徴の一つは、非常にゆっくりとしたミドルテンポの「重く引きずるような」ギターリフである[11][12][13]。しかし、ファンクメタルバンドは、1980年代のスラッシュメタルに影響を受けた、より伝統的なリフスタイルを採用することが多い[14]。オルタナティヴ・メタルは、オルタナティヴ・ロックの影響を受けた、クリーンでメロディアスなボーカルを特徴とする[4]。これは、他のヘヴィメタルのサブジャンルとは異なる。後のバンドは、クリーンボーカル、唸り声、叫び声の間でボーカルスタイルを切り替えることが多い[7][15][16][17]。例えば、コーンやデフトーンズのようなニュー・メタル・ムーブメントに関連するオルタナティヴ・メタルバンドは、「躁鬱的なボーカルスタイル」を持っていると説明されている[18][19]。
トゥール（写真）は、最も影響力のあるオルタナティヴ・メタルバンドの一つである。
1990年にロサンゼルス・タイムズに寄稿したジョナサン・ゴールドは、「リプレイスメンツやダイナソーJr.のような左翼のロックと同様に、メタルにもそれがある。オルタナティヴ・メタルとは、ロックするオルタナティヴ・ミュージックであり、今日のオルタナティヴ・メタルは、他のどのオルタナティヴ・ロックよりも10倍多くの聴衆にリーチできる。ジェーンズ・アディクションは、70年代に影響を受けたヘヴィなアートメタルを演奏し、サウンドガーデンも同様だ。実際、サバスやツェッペリン自身のアート風の作品も、オルタナティヴ・メタルと見なすことができるだろう」と述べている[20]。ヒューストン・プレスは、このジャンルを「ニルヴァーナはヘヴィさが足りないが、メタリカはヘヴィすぎるという人のための妥協点」と説明している[21]。
初期のオルタナティヴ・メタルバンドは、ハードコア・パンク（バッド・ブレインズ、ロリンズ・バンド、ライフ・オブ・アゴニー、カラージョン・オブ・コンフォーミティ）、ノイズロック（ヘルメット、ザ・ジーザス・リザード、トゥデイ・イズ・ザ・デイ）、シアトルのグランジ（アリス・イン・チェインズ、サウンドガーデン）、ストーナーロック（クラッチ、カイアス）、スラッジ・メタル（ファッジ・トンネル、メルヴィンズ）、ゴシック・メタル（タイプ・オー・ネガティブ）、グルーヴ・メタル（パンテラ、ホワイト・ゾンビ）、インダストリアル（ゴッドフレッシュ、ナイン・インチ・ネイルズ、ミニストリー）など、様々なバックグラウンドから現れた[6][22][23][24][25][26][27]。これらのバンドは明確なムーブメントやシーンを形成することはなかったが、伝統的なメタルの影響と実験への開放性を融合させることによって結びついていた[6]。ジェーンズ・アディクションはアート・ロック[20]やプログレッシブ・ロックから影響を受け、クイックサンドはポスト・ハードコアを融合し、リヴィング・カラーは彼らのサウンドにファンクを注入した[6][28]。例えば、プライマスはプログレッシブ・ロック[6]、スラッシュ・メタル[29]、ファンク[30]から影響を受け、フェイス・ノー・モアはプログレッシブ・ロック、R&B、ファンク、ヒップホップを融合させた[31]。ファッジ・トンネルのオルタナティヴ・メタルスタイルは、スラッジ・メタルとノイズロックの両方から影響を受けていた[25][32]。
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魔法使いの弟子
製作
開発
『魔法使いの弟子』のコンセプトは、ニコラス・ケイジが発案したもので、彼は魔法の能力を持つキャラクターを演じ、現代の神秘の世界を探求することに興味を示した[8][9]。プロデューサーのトッド・ガーナーの提案により、ケイジはディズニーの『ファンタジア』（1940年）の「魔法使いの弟子」の部分を長編映画に拡大することを提案した。ウォルト・ディズニー・ピクチャーズは、2007年2月12日にこのプロジェクトを正式に発表した[10]。この映画は、魔法で動かされて研究室を掃除するモップのシーンや、エンドロール後の背景に登場するミッキーマウスの魔法使いの帽子など、原作を直接参照している[9]。
キャスティング
ニコラス・ケイジは、主役の魔法使いバルタザール・ブレイク役にキャスティングされ、自身の製作会社サターン・フィルムズを通じてプロデューサーも務めた。ジェイ・バルチェルは、不本意な弟子デイブ・スタトラー役で共演した。助演には、悪役マクシム・ホルヴァス役のアルフレッド・モリナ、ベッキー役のテリーサ・パーマー、ヴェロニカ・ゴルロイツェン役のモニカ・ベルッチがいる[11]。
撮影
主要撮影は、物語の舞台であるニューヨーク市で行われた。主なロケ地には、ワシントン・スクエア・パーク、チャイナタウンのエルドリッジ・ストリート、ニューヨーク市役所駅（デイブの地下実験室のインスピレーションまたは実際のセットとして使用）などがある[9]。ドレイク・ストーンのペントハウスやチャイナタウンの一部など、手の込んだ屋内セットの多くは、ブルックリン区クラウン・ハイツのベッドフォード・アトランティック兵器庫内に建設された[12]。
2009年5月4日の撮影中、カーチェイスシーンで使用されたフェラーリF430がタイムズスクエアのスバーロレストランに衝突し、歩行者2人が負傷した。そのうちの1人は倒れた街灯の下敷きになった。翌晩にも2件目の軽微な事故が発生した。どちらの事故も、雨による濡れた路面状況が原因であった[13]。
リアルな映像スタイルを実現するため、映画製作者たちは実用的な効果に重点を置いた。火は、実際の液体とフラッシュパウダーを使用して様々な色の炎を作り出し、プラズマの稲妻は、俳優が着用したLED発光手袋で強化され、セットでの照明の参照として使用された。浮遊する物体は、ワイヤーで操作されるか、グリーンのクロマキースーツを着たスタントマンによって保持された[9]。
ナルニア国物語/第2章: カスピアン王子の角笛
製作
脚本
「カスピアン王子を映画化する方法を見つけるのに少し苦労しました。原作では、ペベンシー兄妹がナルニアに到着し、みんなでキャンプファイヤーを囲み、そこでトランプキンが彼らにカスピアン王子の物語を語ります。つまり、4人のペベンシー兄妹は、本の半分近くまで姿を消しているんです。」
— ダグラス・グレシャム[51]
『ナルニア国物語/第1章: ライオンと魔女』が公開される前に、続編『カスピアン王子』の脚本はすでに書き上げられていた[52]。監督のアンドリュー・アダムソンは、この決定はシリーズの出版順に従ったもので、「今やらなければ、二度とできないだろう。なぜなら（俳優たちが）年を取りすぎてしまうからだ」と述べている。シリーズで2番目に出版された『カスピアン王子』は、時系列では4番目の作品である。『馬と少年』は、『ライオンと魔女』で言及されている時期に起こった出来事である[53]。脚本家たちは、BBCがテレビドラマ化で行ったように、『カスピアン王子』を『朝びらき丸 東の海へ』と組み合わせることを大まかに検討したこともあった[43]。
脚本家のクリストファー・マルクスとスティーブン・マクフィーリーは、ペベンシー兄妹がナルニアから戻った後、どのように感じるかを探求したいと考えていた。かつての王と女王から、居心地の悪い学童へと戻った彼らの心情である。彼らは「（C・S・ルイスは）ナルニアの王が1940年代の学校の生徒に戻ったらどうなるかについて、あまり考慮していなかった」と指摘する。また彼らは、原作の構成とは対照的に、ペベンシー兄妹を物語の早い段階でナルニアに戻し、ペベンシー兄妹とカスピアンという二つの別々のストーリーを織り交ぜることを決定した[54]。ペベンシー兄妹の不在中にナルニアが荒廃したのを見た彼らの罪悪感[55]や、ピーターの傲慢さも加えられ、信仰というテーマが強調されている。彼の傲慢さが彼にアスランを見えなくしているのだ[56]。
アダムソンはまた、映画のスケールをより大きくしたいと望んでいた。「前作の後、より自信がつきました。今回はスケールを大きくして、より大規模なキャストと戦闘シーンを実現できました」[33]。原作の一節で、リーピチープが城を攻撃したいと言ったことに触発され[57]、ピーターとカスピアンがミラーズの城を襲撃しようとする新たな戦闘シーンが作られた[58]。アダムソンは、ギリシャ神話の怪物たちが城を襲撃する映像は非常に斬新だと感じた[19]。マルクスとマクフィーリーは、このシーンを使ってピーターとカスピアンの対立や、エドマンドの成長を描き、アクションシーンをドラマとして活用することで脚本を引き締めた。アダムソンは大げさなドラマよりも繊細さを好み、若い男優たちに怒りをあらわに演じないよう求めた。アダムソンはアルフレッド・ヒッチコックを模倣し、「シーンの終わりに彼らに言うんだ。『さあ、今度は何も考えずにやってみせて』と。これを文脈で使えば、観客が感情を読み取ってくれるんだ」[57]。
デザイン
コンセプトアート。ミラーズのテルマール人の鎧はスペイン風の外見で、ヘルメットはコンキスタドールに触発されている。
アンドリュー・アダムソンは、この映画が「1300年後の話で、ナルニアは長い間テルマール人に支配されていたため、汚くて過酷で、前作よりも暗い場所になっている」ため、かなり暗い内容だと説明している[59]。彼はさらに、「これはより少年向けの話で、より過酷な世界です。悪役は人間であり、それがよりリアルな感覚をもたらしています」と付け加えた[33]。クリーチャーは、経験豊富なホラー/モンスター・アーティスト、ジョードゥ・シェルによってデザインされ[60]、ハワード・バーガーの監督下にあった。バーガーは、『カスピアン王子』は『ライオンと魔女』よりも中世的な雰囲気になると述べている[55]。バーガーはアダムソンと共に、自分の子供たちにもデザインの批評をしてもらい、プロセスを手伝ってもらった[37]。彼の息子は人狼の耳が間抜けだと思ったため、耳は小さくされた[35]。
ナルニアの住人については、バーガーは彼らが森に追いやられたため、より荒々しい外見にすることを考えた。彼はまた、年齢、体格、人種の多様性を描写することも決定した[61]。黒ドワーフは、赤ドワーフとは区別され、より多くの革と宝飾品を身に着け、衣装の色調も暗めだった[34]。各種族は、より特徴的な戦闘スタイルも持つようになった[62]。ミノタウロスはこん棒を使い、ケンタウロスは剣を使った[63]。サテュロスは、前作での造形が急ピッチだったため、デザインが新たにされた[46]。4600ものメイクアップが施され、バーガーはこれは新記録だと信じている[39]。
映画製作者たちは、カスピアンを含むテルマール人を、海賊に起源を持つことからスペイン人として解釈した。プロデューサーのマーク・ジョンソンは、これによりカスピアンが「（ペベンシー家の）白人的な外見と異なる」ものになったと述べている[64]。プロダクション・デザイナーのロジャー・フォードは、当初テルマール人をフランス人にしようと考えていた。ペベンシー家が代表するイギリス人と対立する歴史があるからだ。しかし、ミラーズの隠れ家となるピエールフォン城での撮影が許可されなかったため、このアイデアは放棄され、代わりにスペインの雰囲気が採用された[65]。ウェタ・ワークショップは、軍隊用のフェイスマスクと、セットに登場する本物の馬用の馬用マスクを製作した。スタント兵士たちは、200の武器を使用した。デザインの異なる200本のロングソード、100本以上のショートソード、250の盾、55のクロスボウである。カスピアン自身の剣は、王の護衛の別の武器である[63]。衣装デザイナーのイシス・ムッセンデンは、テルマール人の衣装のインスピレーションとして、エル・グレコの絵画から着想を得た[55]。彼女は、ナルニアの兵士に見られる赤や金とは異なる、「酸っぱくて、熱く、同時に冷たい」色を使いたかった[34]。彼らの兜は、コンキスタドールと侍からインスピレーションを得ている[66]。彼女はインスピレーションを得るためにメトロポリタン美術館の鎧の保管庫を訪れた[39]。鷲のシンボルは、ファシスト的な印象を与えるためにキャラクターの隠れ家で使用された[67]。
撮影
ロケ地探しには8ヶ月を要し[43]、アイルランド[68]、中国、アルゼンチン[69]などが検討された後、最終的にニュージーランド、プラハ（チェコ）、スロベニア、ポーランドが選ばれた[43]。前作は主にニュージーランドで撮影され、中欧での撮影は数ヶ月だったが、アダムソンはニュージーランドにはこの大規模な映画を収容できる十分なサウンドステージがないと判断した[59]。撮影の大部分をヨーロッパで行う決定により、両大陸での夏季撮影も可能になった[70]。ただし、撮影中の天候は不安定で、アダムソンは騙されたと冗談を言うほどだった[6]。
ペベンシー兄妹がナルニアに帰還するシーンは、カセドラル・コーブで撮影された。子供たちが送られるトンネルを反映するアーチがあったためである。
撮影は2007年2月12日にオークランドで始まった[38]。ペベンシー兄妹がケア・パラベル城の廃墟に戻るシーンは、カセドラル・コーブで撮影された。映画製作者たちがこの場所を選んだのは、子供たちがナルニアに呼び戻される前に足を踏み入れた鉄道のトンネルを反映するアーチがあったからである[65]。ヘンダーソン・バレー・スタジオは、ペベンシー家の宝物庫と地下鉄駅のセットとして使用された[39][71]。
2007年4月1日、スタッフはプラハのバランドフ撮影所で撮影を開始した[72]。そこでは、ミラーズ城、アスランの墳丘、ナルニア人の地下隠れ家などのセットが建設された[58]。高さ200フィート（61メートル）の城は、アダムソンが前作でデジタルセットを使いすぎたと感じたため、実物大で建てられた[57]。この城は冬場の屋外で建設され、気温は華氏マイナス4度（摂氏マイナス20度）まで下がった[71]。ミラーズの中庭は、プロダクション・デザイナーのロジャー・フォードのキャリアの中で最大のセットであり、前作のナルニアのセットをも上回った。アスランの墳丘は、それらのシーンの撮影が終わった後、隠れ家に改装された[58]。トラフルハンターの巣穴を作るため、フォードのチームはアナグマの巣穴にカメラを設置し、どのように見えるべきかを研究した[43]。巣穴の天井は、ベン・バーンズが背が高すぎたため、3インチ高くしなければならなかった[22]。
2007年6月、彼らはスロベニアのソチャ渓谷にあるボヴェツ近郊の橋で戦闘シーンを撮影した[73]。この場所はニュージーランドに似ているため選ばれた。大規模な橋が建設され、これはユリウス・カエサルがライン川を渡るために建設した橋をモデルにしている[65]。カエサルは10日で橋を建設したとされるが、映画製作者たちには約40日の猶予があった。しかし、その期間は短かったが、当局は湖での通常の夏季活動を完全に妨害しないために、この期間のみ建設を許可した。映画製作者たちは川の流れを変えるための溝を掘り、排水された川岸をより深く掘削して、人が溺れそうになるように見せかけた。スタッフはまた、テルマール人が橋を建設しているシーンの撮影のために100本の木を伐採した。木々は装飾のため、川の反対側に移された[74]。橋は2ヶ月間設置された後、撤去された[75]。撤去作業では、伐採された木や橋の一部はリサイクル工場に送られ、橋の他の部分はブルースクリーンを使ってクローズアップ撮影を行うために撮影所に送られた[74]。
戦闘の一部は、チェコ共和国のウースチー・ナド・ラベムでも撮影された[76]。アスランの墳丘への入り口だけがロケ地に建設された。アダムソンは、ピーターとミラーズの決闘が、統制され過剰に振り付けられたフェンシングの試合のようにならないよう、独自性を感じさせたかった。モーズリーとカステッリートは、2006年11月からこのシーンのトレーニングを開始した。スタント・コーディネーターのアラン・ポップルトンは、体格が似ていたため、いくつかのショットでカステッリートのスタントダブルを務めた。危険なショットでは、カメラが彼らの盾に組み込まれた[77]。主要なカメラは、シーンの行われる廃墟を囲む360度のレール上に配置された[43]。映画製作者たちは、ナルニア人がアスランの墳丘近くの成長を支える柱を破壊し、テルマール人の上に崩れ落とすシーンのために、地面に大きな穴を掘った。その後、シーンが終わった後に地面は修復された。彼らはまた、大規模な騎兵隊の突撃を撮影した後、芝生を修復しなければならなかった。チェコ共和国には、森を再現するために18,000本のシダ植物が輸入された。崖の建設を伴うポーランドで撮影されたシーンも、跡形も残さないようにしなければならなかった[71]。撮影は2007年9月8日に終了した[78]。
視覚効果
『カスピアン王子』には1500以上の特殊効果ショットがあり、前作『ライオンと魔女』の800ショットを上回るが、完成までの時間はより短かった[55]。特殊効果の規模の大きさから、アンドリュー・アダムソンは、新しい税制優遇措置を利用し、合法的にイギリス映画として認められるよう、製作拠点をイギリスに移さざるを得なかった[79]。これにより、監督は編集室から徒歩5分で特殊効果を監督できるようになった[80]。イギリスの特殊効果会社であるムービング・ピクチャー・カンパニー（MPC）とフレームストアCFCが、ウェタ・デジタルとともに特殊効果を手がけることになった。フレームストアはアスラン、トラフルハンター、「大気の扉」を担当。スキャンラインは川の神を担当。ウェタは狼男、熊、ミラーズ城を制作。MPCとエスケープ・スタジオは主要な戦闘シーン、トンネルのシーン、城の攻撃、評議会のシーン、その他すべてのクリーチャーを担当した[80][81][82]。
『ロード・オブ・ザ・リング』を手がけたアレックス・ファンケが、映画のミニチュア・ユニットを監督した[55]。これには、ミラーズ城の1/24スケールと1/100スケールのミニチュアが含まれる[63]。クライマックスの戦いでは、ナルニア人の隠れ家のミニチュアが作られ、巨人ウィンブルウィザーを演じる俳優がそれに対抗して撮影された[83]。前作から改良された点の一つは、会話のシーンでもケンタウロスを歩かせられるようにしたことだ。これにより、グレンストーム役のコーネル・ジョンは、馬の速歩と高さを模倣するために、パワーライザー（スプリング付きの機械式竹馬）を装着した[58]。ミノタウロスのアニマトロニクスの頭も、リップシンクを正しく行えるように改良されたが[83]、期待したほど成功せず、デジタルで修正する必要があった[84]。
クライマックスの戦いでは、150人のエキストラがナルニア人を、300人のエキストラがテルマール人を演じた。これらはデジタルで複製され、最終的には画面上に1000人のナルニア人と5000人のテルマール人が登場した。アニメーターたちは、デジタルの脚を実写の俳優と合成するよりも、完全にデジタルのケンタウロスやフォーンを作成する方が簡単だとわかった[80]。ドライアドは完全にコンピューター生成で作られたが、前作ではデジタルの花びらが実写の俳優に合成されていた[32]。しかしアダムソンは、ケンタウロスに鎧を着せないことを選んだ。つまりアニメーターは、人間と馬の接合部をより一貫性のあるものにしなければならなかった。ルーシーがアスランを抱きしめる場面など、デジタルキャラクターと実写俳優の合成は、前作よりも照明が改善されたため容易になった[80]。ルーシーがアスランを抱きしめる場面では、フレームストアはジョージー・ヘンリーの腕さえもデジタル版に置き換えた[32]。グリフィンのために、俳優が乗るためのモーションコントロールリグが作られた。このリグは、リアリティを高めるため、羽ばたきなどの微細な動きを再現することができた[31]。アダムソンは川の神について、最も誇りに思っているキャラクターだと述べている。「これは非常に洗練されたエフェクトです。水をあのようにコントロールするのは信じられないほど難しいんです」と彼は言う。「（VFX会社は）このようなショットを10年間ずっとやりたがっていたと私たちに話しました」[80]。
この映画では、素早く発射できる風車のような形をしたバリスタや、一度に3発の弾を発射できるカタパルトが登場する。これらの実物大のカタパルトは金属製で、グラスファイバーで覆われ、木のように見えるように加工されている。ウェタはテルマール人の兵器によって発射される発射体の小道具を作成した。この実物大のカタパルトは上半分が青く塗装されており、高速発射の動きのためにプログラムされたデジタルカタパルトを作成するためだった[85]。
音楽
詳細は「ナルニア国物語/第2章: カスピアン王子の角笛 (サウンドトラック)」を参照
『ライオンと魔女』の音楽を担当したハリー・グレッグソン＝ウィリアムズは、2007年12月に続編の作曲を開始した。レコーディングは翌月アビー・ロード・スタジオで始まり、2008年4月に完了した。クラウチ・エンド・フェスティバル・コーラスが参加している[86]。レジーナ・スペクターの「The Call」、オーレン・ラヴィの「Dance 'Round The Memory Tree」、スウィッチフットの「ディス・イズ・ホーム」がサウンドトラックに収録されている。前作で「Can't Take It In」を歌ったイモージェン・ヒープも新曲を書いたが、グレッグソン＝ウィリアムズは暗すぎると判断した[87]。
グレッグソン＝ウィリアムズのスコアは、映画に合わせてかなり暗いものになっている。グレッグソン＝ウィリアムズは、カスピアンのテーマが脆弱さを伝え、彼がより英雄的になるにつれて活気づくようにしたかった。当初は3/4拍子だったが、オープニングシーンでは4/4拍子が必要だったため変更された。ミラーズの狡猾さを表現するため、前作の英雄的なテーマは反転させて使用された。リーピチープには、軍事的で几帳面な性格を表現するために、弱音のトランペットが使用された[88]。グレッグソン＝ウィリアムズは、小さな penny whistle のために彼のテーマを編曲することを検討したが、可愛らしすぎて、夜襲の緊張感をそぐことがわかった[89]。
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ハムナプトラ3 呪われた皇帝の秘宝
製作
開発
2001年11月、前作までの監督スティーブン・ソマーズは、第3作の監督について「みんな望んでいるが、私たちのほとんどは、それをより大きく、より良くする方法を見つけられた場合にのみ、再び参加しても構わないと思っている」と述べていた[5]。2004年5月、『ヴァン・ヘルシング』の公開時には、前作のキャストが復帰に興味を示していたものの、第3作を製作するだけのエネルギーが残っているかどうか疑問視していた[6]。2005年12月、彼はアルフレッド・ゴフとマイルズ・ミラーが執筆した、中国のミイラ（中国の始皇帝が、1940年に世界征服を目論み、呪われた戦士の軍隊を率いる）に関する脚本を批評した。
皇帝とその軍隊のアイデアは、実際の始皇帝と、彼が数千体の焼かれた塑像、いわゆる兵馬俑と共に埋葬されたことに基づいている[7]。
脚本
詳細な情報: このセクションには、検証のための追加の引用が必要です。（2023年2月）
ゴフとミラーによる最初のバージョンの脚本には、使われなかった前作への多くの回帰が含まれていた[8]。オリジナルの導入部では、ズー・ユアン（ゾハラ）がハムナプラに行き、最初の映画のパズルボックスの鍵を使って『死者の書』の粘土製の複製を作成する。ゾハラは、占いの骨の代わりに、その粘土製の複製を使って皇帝とその軍隊を呪う。この本はまた、不死の泉の代わりに皇帝を復活させるためにも使われる。ジョナサンは彼のナイトクラブをイムホテップと名付けるだけでなく、バーテンダーをアンク・ス・ナムンのボディペイントで飾る。イヴィが最初の映画で頻繁に言及したベンブリッジ学者たちが脇役で登場する。ウィルビー卿という協会の責任者が、前作のウィルソンの代わりに、ドラゴン皇帝の復活に一役買うことになる。ヤン（オクムラ）が「正当な報い」を受けるだろうという言及がある。皇帝のミイラは、ヤン（オクムラ）が皇帝が世界を征服したときに報われると言及する。クライマックスの戦いでは、アレックスのカタパルトが皇帝を倒す上で重要な役割を果たすことになる。
前作と同様、この最初の草稿にはボディホラー要素が多く含まれていた。ワニがオクムラの腕を噛みちぎるシーン、ウジ虫、骨片、皇帝のミイラの傷口から染み出る化石化した臓器などである。不死を得た後、皇帝はひび割れた体の上に脳、眼球、皮膚を再生させる。ミイラの状態では、ドラゴン皇帝はイムホテップと似たところがあり、どちらも人々の生命力を吸い取って自分を維持する（ただし、皇帝は犠牲者を陶器に変えて粉々にする）。あるキャラクターから生命力を吸い取った後、皇帝のミイラは、前作のあるシーンでイムホテップがそうであったように、犠牲者の青い目を受け継ぐ。イムホテップが前作と次作でそれぞれ砂と水に自分の顔の痕跡を作ったように、ドラゴン皇帝は雪崩の中で雪に自分の顔の痕跡を作る。ミイラ化のシーンはさらに残酷で、皇帝の心臓が胸に現れ、黒い血を血管を通して毛穴から送り出す。そして、溶けた粘土が彼の服と体を覆い、内部からの強烈な白い光線で過熱されて固まる。
脚本では、皇帝はより冷酷な性格として描かれている。彼はゾホラをハムナプラに送り、90日以内に戻らなければ、彼女の恋人ミン・グオ（ソン・ウー）を殺すと脅す。そして彼女が戻ると、彼女はオクムラの首を箱に入れて差し出す。オクムラが不死になった後、皇帝は焼けるような指をオクムラの額に当て、彼に跪かせて忠誠を誓わせる。彼はゾホラに口付けをして呪い、同時に彼女を呪い、シャングリラの彼女と他の仙人たちを陶器の人形に変えてしまう。この呪いは、皇帝がシャングリラに到着する前にすでに不死を放棄していたリン（リー・チェン）には効かない。そして、リリーを連れて行くとき、皇帝は彼女に、母親の罪を償うために、王妃として彼女と共に床を共にするよう告げる。クライマックスでは、皇帝は失敗したオクムラを罰するため、巨大な真鍮のランプの中に閉じ込める。
脚本の舞台は、その後ではなく1940年の第二次世界大戦中である。リックとイヴィはインドのアグラで紹介され、イギリス政府のスパイとして活動し、オクムラを監視しており、彼が日本を勝利に導く秘密兵器（後に皇帝であることが判明）を持っていると信じている。脚本には戦争の背景があり、中国と日本の緊張関係が描かれている。ジョナサンがオコーネルの友人であるチャン（中国のレジスタンスのメンバー）と日本の少佐スキとの間の争いを鎮める場面がイムホテップに登場する。後のシーンでは、オコーネルは嫌々ながら撤退を余儀なくされ、チャンが日本軍に捕らえられるのを目の当たりにする。日本軍は反乱分子を集め、労働収容所へ向かう列車に詰め込む。リリーが以前アレックスに話したように、リックとイヴィは彼を守るためにエール大学にやったが、彼は彼らの知らないうちに一年生の途中で中退し、軍隊に入隊する前に、ウィルビーに呼ばれて一緒に働くことになったことが明らかになる。映画とは異なり、オコーネル一家は皇帝が復活してから5日間の猶予があることを知り、それを過ぎると皇帝は塵になってしまう。その後、日本軍に襲われたヒマラヤの寺院で、彼らはテキーラと名付けるチベット人僧侶に出会い、一行に加わり、囁きの頭蓋骨寺院へ導き、万里の長城への旅に同行する。ドラゴン皇帝がリックに重傷を負わせる代わりに、アレックスが父を救うためにその攻撃を受ける。
脚本と映画の間の他の顕著な違いとしては、シャングリラがさまざまな時代の人々で溢れる豊かなユートピアの地として描かれていること、ドラゴン皇帝が中国の五行に秀でていることなどが挙げられる。彼は川を凍らせて溶かして逃げ、手から火の玉を連続して発射し、「雪の武器」を作り出して敵を地下に引きずり込み、不老長寿の泉から雨雲を作り出して軍隊を動員する。映画とは異なり、彼は変身しない。皇帝の兵馬俑の軍隊と戦うのは、皇帝の不死の戦士ではなく、チャンを含む多くの中国の農民や日本に捕らえられた他の囚人たちである。リックとドラゴン皇帝の一騎打ちの代わりに、オコーネル一家は五行に関連する儀式を行い、万里の長城の下にある皇帝の敵の魂、すなわち「魂の川」を解放し、皇帝が阻止しようとする兵馬俑を倒そうとする。リックはとどめを刺す前に、皇帝にイムホテップによろしく伝えるように言う。シャングリラの陶器の呪いは皇帝の死で終わり、ゾホラを含む住民が解放される。
キャスティング
2006年3月、最初の2作でアーデス・ベイを演じたオデッド・フェールは、ソマーズから第3作が開発中であり、脚本が書かれていて、ブレンダン・フレイザーとレイチェル・ワイズのキャラクターだけが復帰すると聞いたと述べた[9]。翌9月、ユニバーサル・ピクチャーズは、ジョー・ジョンストンに『ジュラシック・ワールド』の代わりに監督をオファーしたが、ジョンストンは断った[10]。同月、ワイズは自身の役を再演することに興味を示した[11]。
2007年1月、ユニバーサルはソマーズが第3作を監督しないこと、ロブ・コーエンが監督の交渉中であることを発表した[12]。ソマーズは、「最初の2作は本当によく合っていた」と感じ、「第3作は非常に難しい」として、この役を引き受けないことを選択した[13]。同月、ストーリーはブレンダン・フレイザーとレイチェル・ワイズのキャラクターと、彼らの成人した息子に焦点を当てることが明らかになった。その時点でキャストとの交渉が進められていた[14]。2月には、アレックス・オコーネル役のキャスティングが始まった。また、ジョン・ハナーがジョナサン役で復帰することも発表された[2]。同月、コーエンはジェット・リーとミシェル・ヨーがこの映画に出演すると述べたが、正式な確認は5月まで発表されなかった[15][16]。
4月、ブレンダン・フレイザーが映画に復帰することが確認された[17]。ワイズは、「脚本の問題」と、最近息子を出産したことを理由に復帰しなかった[18][19]。この映画はモントリオール[20]と中国で撮影された。当初、映画のタイトルは『The Mummy 3: Curse of the Dragon』と報じられていた[21]。4月、ルーク・フォードがアレックス・オコーネル役にキャスティングされ[22]、フレディ・ボアスがこの役を交代した。5月には、マリア・ベロがワイズの代わりにイブリン役にキャスティングされた。ベロはインタビューの中で、新しい「イヴィ」はオリジナルの「イヴィ」とは異なることをコメントし、「彼女は同じ名前ですが、かなり違うキャラクターです」と述べた[23]。上海での記者会見で、ベロは聴衆に対し、ロブ・コーエンが「新しいエブリンを作り上げた」と語った。「最初の2作のハムナプトラでは、彼女はより優しく、愛らしかったですが、このエブリンはおそらく...格闘技のスキルと射撃のスキルの点で、もう少しタフかもしれません」[24]。
撮影
主要撮影は、モントリオールのメルズ・シテ・デュ・シネマで始まった。そこで、プロダクション・デザイナーのナイジェル・フェルプスによって、シャングリラへの入り口「アイ・オブ・シャングリラ」のセットが撮影された。その後、スタッフはシャングリラへの玄関口の中庭で撮影を行った。中庭は、造営監督のブルース・スタインハイマーのチームによって作られた人工雪で飾られた[25]。
ADFスタジオでは、フェルプスのチームが兵馬俑の墓のセットを建設した。セット・デコレーターのアン・カルジャンは、3Dアーツ・チームによって彫刻された20種類の異なる頭部のデザインを作成し、セット全体で交換された。兵士と馬の彫像が一体、中国から購入され、その像のレプリカと「ドラゴン皇帝」（ジェット・リーの像は、リュシー・フルニエ、ティノ・ペトロンチオ、ニック・ペトロンチオによってモントリオールのワークショップで彫刻された）が製作された。プロップマスターのキム・ワイ・チュンは、馬具や墓の装飾品を中国で製作するのを監督した。一方、メルズのスタジオでは、皇帝とリックの激しい戦闘シーンが撮影され、これはジェット・リーとの最初の撮影シーンだった[25][26]。
2007年10月15日、スタッフは中国に移動した。上海スタジオでは、1940年代の街を描いたセットが追跡シーンに使用され、3週間かけて撮影された。ヤン将軍の収容所は、天目山近くの明代の村で撮影された。スタジオでは、中国の文化顧問がコーエンを助け、秦の時代の言語や儀式を表現するのを手伝った[25]。オコーネル家の劇場のシーンは、「イムホテップス」という名前のエジプト風のナイトクラブで撮影された[27]。
スタッフは、軍隊が上海に出入りするたびに、しばしば撮影を中断しなければならなかった。実際、砂漠の戦場のセットは、借りていた中国軍の訓練場だった[28]。撮影はイギリスでも行われ、シェパートン・スタジオやワデスドン・マナーでも撮影された。
視覚効果
視覚効果は、ロサンゼルスの2つのVFX会社、リズム&ヒューズ・スタジオ（R&H）とデジタル・ドメインによって提供された。R&Hはイエティとドラゴンをデザインし、デジタル・ドメインは皇帝の兵馬俑の戦士たちとの戦闘シーンを担当した。ダイヤモンドのように見える池は、リズム・アンド・ヒューズが11ヶ月かけて制作した[29]。『ロード・オブ・ザ・リング』で使用されたAIソフトウェア「マッシブ」は、アンデッドの戦闘シーンの制作に使用された。
デザイン会社イマジナリー・フォースが、オープニングとクロージングのタイトル・シーケンスを作成した。IFのデザイナーたちはまた、実際のペンキの飛沫や筆跡を撮影し、「本物の中国らしさと歴史」を伝えるために、書家のTZ・ユアンに墨で書を書いてもらった[30]。
音楽
詳細な情報: このセクションには、検証のための追加の引用が必要です。（2015年1月）
『ハムナプトラ3 呪われた皇帝の秘宝』
サウンドトラック・アルバム
ランディ・エデルマン の
リリース
2008年7月29日
ジャンル
映画音楽
時間
1:17:28
レーベル
ヴァレーズ・サラバンド VSD-6916
『ハムナプトラ』サウンドトラック 年表
ハムナプトラ2 黄金のピラミッド
ハムナプトラ3 呪われた皇帝の秘宝
プロフェッショナルレビュー
レビュー・スコア
ソース 評価
オールミュージック [31]
映画音楽の大部分はランディ・エデルマンによって作曲され、ロンドン交響楽団によって演奏された。サウンドトラックには、さまざまな中国や中東の楽器、クラシックな英国のフォークソングが含まれている。このサウンドトラックは、映画公開の2日前の2008年7月29日に、ヴァレーズ・サラバンド・レーベルからリリースされた[32]。作曲家のジョン・デブニー（以前、フランチャイズのスピンオフ『スコーピオン・キング』の音楽を担当）は、主要なアクションシーンのほとんどを新しい音楽に書き換えた。ハリウッド・スタジオ・シンフォニーは、2008年7月、映画公開の直前に、フォックス・スコアリング・ステージで10時間足らずでデブニーの音楽を30分間録音した。しかし、サウンドトラック・アルバムにはエデルマンの音楽のみが収録され、デブニーの音楽は一切含まれていない。予告編では、トゥー・ステップス・フロム・ヘルの「Armada」や、ファイファー・ブロスの「DNA Reactor」などの音楽が使用されている。後者の音楽は、『ハリー・ポッターと不死鳥の騎士団』の予告編の終わりにも使用されている。また、ヴォイチェフ・キラールの『吸血鬼ハンター』の音楽も使用されており、これは第1作と第2作の予告編で使用されていた。サウンドトラックには、レオ・ドリーブのオペラ『ラクメ』からの「花の二重唱」も含まれている。
日本語版では、黒瀬真奈美の「Memories」が主題歌として使用されている[33]。
トランスフォーマー/リベンジ
製作
開発
『トランスフォーマー』（2007年）の公開前から、パラマウント・ピクチャーズは続編2作品の開発を始めていた[8]。プリプロダクション段階での主な障害は、全米脚本家組合ストライキ（2007年-2008年）や、全米監督協会のストライキが起こる前の他の組合によるストライキの脅威などであった。監督のマイケル・ベイは、2007年の映画用に却下されたキャラクターをフィーチャーしたアクションシーンのアニマティックの制作を開始していた。これにより、もし全米監督協会が2008年7月にストライキを起こした場合（最終的には起こらなかった）、アニマティック制作者がシーンを完成させることができるようにするためだった[9][10]。第1作のプロモーション中に続編の監督について尋ねられたベイは、「子供ができたら、他の奴に取られたくないだろう？」と語っていた[11]。
脚本家のロベルト・オーチーとアレックス・カーツマンは、第1作の脚本を共同執筆したが、当初はスケジュールの都合で続編の執筆を断っていた。スタジオは2007年5月に他の脚本家に接触し始めたが、その提案に感銘を受けず、最終的にオーチーとカーツマンを説得して復帰させた[9]。スタジオはまた、『トランスフォーマー』の神話に関する知識でベイとハズブロの社長ブライアン・ゴールドナーに感銘を与えた、エーレン・クルーガーを雇った[12]。3人の脚本家は800万ドルを受け取った[9]。脚本執筆は全米脚本家組合のストライキ（2007年-2008年）によって中断されたが、製作の遅れを避けるため、脚本家たちは2週間で脚本を書き上げ、ストライキ開始前夜に提出した[13]。その後ベイは、そのプロットを60ページの脚本にまで拡張し[14]、より多くのアクションシーン、ユーモア、キャラクターを含めた[13][15]。3人の脚本家は、湾岸沿いのホテルの2部屋にこもって脚本執筆に4ヶ月を費やし、クルーガーは自分の部屋で執筆し、3人は1日2回互いの作業を確認し合った[16]。
オーチーは、この映画のテーマを「故郷を離れること」と説明し、オートボットたちはセイバートロン星を復元できないため地球での生活に思いを巡らせ、一方サムは大学に通っているとした[17]。彼は、ロボットと人間の間の焦点を「よりバランスよく」し[18]、「賭け金をより高く」し、よりSFの要素に焦点を当てたかった[19]。オーチーは、ユーモアをより「ひねった」ものにしたいと付け加え[20]、『トランスフォーマー』の神話に関するよりシリアスなプロット・アプローチでバランスをとることで、より「とんでもない」ジョークを扱えたと感じている[21]。ベイも、トーンをよりダークにしてファンを喜ばせたいと同意し[22]、「お母さんたちが子供を連れてまた映画に来ても大丈夫だと思えるように」したいと述べた[23]。映画の終盤には2つの要素が追加された。ゼネラルモーターズがシボレー・ボルトを宣伝したがったためのオートボットのジョルトと、デバステーターを倒すレールガン（これは米軍が新たに取得した装置である）である[24]。
2007年9月、パラマウントは『トランスフォーマー』の続編の公開日を2009年6月下旬と発表した[25]。この映画には2億ドルの予算が割り当てられ、これは第1作より5000万ドル多い額だった[26]。ただし、バラエティ誌は控除後の予算を2億1000万ドル以上と報じている[5][2][27]。第1作から却下されたアクションシーンのいくつかは、続編に書き込まれた[28]。後にプロデューサーのロレンツォ・ディ・ボナヴェンチュラも同様に、スタジオは続編2作品を同時に撮影することを提案したが、彼とベイはそのアイデアはシリーズにとって正しい方向ではないと同意したと述べている[29]。
第1作の公開前、プロデューサーのトム・デサントはダイノボットを導入するという「とてもクールなアイデア」を持っていた[30]一方、ベイは空母に変形するトランスフォーマーを登場させることに興味を持っており、これは2007年の映画から却下されたアイデアだった[31]。オーチーは、ダイノボットの形態を選ぶことを正当化する方法を考えられず[17]、空母にそれを組み込むこともできなかったため、これらのキャラクターを『リベンジ』に含めなかったと主張している[32]。後にオーチーは、恐竜が好きではないためダイノボットに興味がなかったことを認め、「その点で自分は変わり者だと分かっている」と述べている[33]。しかし、ファンの間での人気のため、撮影中に彼らに対してより好意を持つようになった[34]。彼は「トランスフォーマーがなぜトカゲの前で変装する必要性を感じるのか理解できない。映画の観点から言えば、つまり、一般の観客がこれをよく理解すれば、将来ダイノボットが登場するかもしれない」と付け加えた[35]。これについて尋ねられたマイケル・ベイは、ダイノボットを嫌っており、映画に登場させることを決して考慮しなかったと述べている[36]。
製作中、ベイは、どのトランスフォーマーが映画に登場するかについての議論を促進し、ファンを映画のストーリーから遠ざけようとする誤報キャンペーンを試みた。しかし、オーチーはそれは概ね失敗したと告白している[32]。スタジオは、モーリーとファーマンがMTVとコミック・ブック・リソーシーズに与えたインタビューを検閲するところまで行き、その中で彼らはアーシーとザ・フォールンが映画に登場することを認めていた[37]。ベイはエンパイアに対し、メガトロンは復活しないと語り、彼の新しい戦車の形態は単なる玩具のキャラクターだと主張した[26]が、オーチーは2009年2月にメガトロンが映画に復帰することを認めた[38]。ベイはまた、撮影初週の毎日のキャストリストのリークを偽造し、ラモン・ロドリゲスのキャスティング[39]や、ジェットファイアーと双子の登場を明らかにしたと主張している[40]。
撮影
主要撮影は2008年6月から11月頃まで行われた。クリストファー・ノーラン監督の『ダークナイト』での使用に触発され、『リベンジ』の3つのアクションシーンはIMAXカメラで撮影された[22]。脚本家のロベルト・オーチーはIMAX映像が3Dになることを示唆していたが[41]、後にベイは3D映像は「やり過ぎ」に感じられると述べた。ベイは、IMAXでの撮影はIMAXの立体3Dカメラを使用するよりも簡単だと付け加えた[42]。
映画の屋内シーンのほとんどは、プレイア・ビスタのヒューズ・エアクラフトのサウンドステージで撮影された[43]。6月2日から4日にかけて、スタッフはペンシルベニア州ベスレヘムのベスレヘム・スチール工場でアクションシーンを撮影し、上海の一部のエリアとして使用された[14][44]。その後、スティーブン・F・ユードバー・ヘイジー・センターで撮影した[45]。
スタッフは6月9日にフィラデルフィアに移動し、閉鎖されたPECOリッチモンド発電所、ペンシルベニア大学、ドレクセル大学、イースタン州立刑務所、ローレル・ヒル墓地、フィラデルフィア市庁舎、リッテンハウス・スクエア、ワナメーカーズ、そして歴史的なシャンセラー通り（パリのコンコルド広場近くの通り）で撮影を行った[46][47]。
撮影は6月22日にプリンストン大学に移った[48]。そこでの撮影は、ペンシルベニア大学の一部の学生を不満にさせた。彼らは、ベイがプリンストン大学でシーンを再撮影し、映画の中でプリンストン大学の名前を書くことを選んだと信じていたからである。ペンシルベニア大学で撮影されたシーンの一つは、学生が「ザ・キャッスル」と呼ぶ場所で撮影されたパーティーシーンだった。「ザ・キャッスル」は、プサイ・ユプシロン友愛クラブの拠点である。しかし、ペンシルベニア大学とプリンストン大学の両方とも、ベイが映画の中でそれらを登場させることを許可しなかった。なぜなら、サムの母親がマリファナ入りのブラウニーを食べるシーンが、両校が「学校を代表しない」と感じたからである[49]。
2つのピラミッドとスフィンクス像を含む遺跡群。
エジプトでの撮影には3日間を要した。
ベイは、ギルドのストライキの可能性に備え、6月30日からの撮影休止期間を設定し、アニメーションとセカンドユニットの撮影に注意を向けた[50]。上海の戦いの撮影は、カリフォルニア州ロングビーチで続けられた[51]。9月、スタッフはニューメキシコ州のホローマン空軍基地とホワイトサンズ・ミサイル実験場で撮影を行った。これらの場所は、『トランスフォーマー』ではカタールとして使用され、この映画ではエジプトの代役を務めた[52]。ロサンゼルスのミニチュアも、ピラミッドのクローズアップ撮影に使用された[26]。ツーソン国際空港と第309宇宙航空機再生維持群の航空機の墓場での撮影は、10月に『Prime Directive』という偽の仮タイトルで行われた（これは『スタートレック』に由来する）[53]。撮影はキャンプ・ペンドルトン、デイビス・モンサン空軍基地[43]、インペリアル・ビーチ、コロナド海軍水陸両用基地、ポイント・ロマ海軍基地、サンディエゴ湾でも行われた[54]。
第1班は、エジプトのギザのピラミッドとルクソールで3日間撮影した。撮影は極秘に行われたが、プロデューサーのロレンツォ・ディ・ボナヴェンチュラは、150人のアメリカ人スタッフと「数十人の地元エジプト人」のおかげで撮影は「驚くほどスムーズに進んだ」と述べている[55]。ベイは、ザヒ・ハワスに連絡することで、エジプト政府からピラミッドでの撮影許可を得た。ハワスはベイに「私のピラミッドを傷つけないでくれ」と語ったという[43]。ロケ地では高さ50フィート（15メートル）のカメラ用クレーンが使用された[26]。ベイは、第1作目のクライマックスは、5ブロックにまたがって撮影されたため、アクションシーンが混乱し追跡しにくくなり、弱いと感じていたと述べている。この映画では、エジプトでの最後の戦闘シーンは、アクションを追跡しやすくするように設計された[56]。
その後、ヨルダンで4日間撮影が行われた。アブドゥッラー2世国王がSF映画の熱狂的ファンであったため、ヨルダン空軍がペトラ、ワディ・ラム、ソルトでの撮影を支援した[57][58]。撮影はパリのコンコルド広場でも続けられ、セカンドユニットがエッフェル塔と凱旋門の映像を撮影した[59]。キャストとスタッフは、2008年11月2日に空母USSジョン・C・ステニスで主要撮影を終えた[60]。
視覚効果
倉庫の中で、人間の形をした大きなロボットが一人の男の前に立っている。
スタースクリームがサムと対峙する画面写真。2007年の映画のオーディオコメンタリーで、マイケル・ベイは続編ではロボットのクローズアップをもっと欲しいと述べていた。
ハズブロは、第1作の時よりもロボットのデザインにより深く関与した[20]。ハズブロはタカラトミーと共に、ロボットの合体が続編の主要なセールスポイントになるだろうと映画製作者たちに示唆した[61]。彼らは、消費者が同じキャラクターの玩具を買い直す必要がないように、復活する一部のキャラクターのオルタネートモードを類似したものに保つことを主張した[62]。ベイは戦闘シーンの撮影に実物のF-16ファイティングファルコンと戦車を使用した[29]。ゼネラルモーターズが提供した新しいオートボットの車両のいくつかは、画面上で目立つように明るい色で塗装された[63]。『リベンジ』には46体のロボットが登場し、オリジナル映画には14体が登場していた[64]。
スコット・ファラーが視覚効果スーパーバイザーとして復帰し、より感情的な照明の使用と、ディセプティコンのより深い役割を予見していた[要説明]。彼は、納期が早まったため、ポストプロダクション作業は「サーカス」になると述べた[65]。製作者たちは、より大きな予算と確立された特殊効果により、トランスフォーマーがより多くの役割を果たすことを期待していた。ピーター・カレンは、「ドン・マーフィーが私に言ったんだ。『オプティマスプライムのアニメーション化には莫大な費用がかかるので、[『トランスフォーマー』]では一部分にしか登場しないだろう』と。しかし彼は、『次回、もし映画が成功すれば、あなたはもっと深く関わることになるだろう』とも言った」と回想している[66]。マイケル・ベイは、ロボットの顔のクローズアップショットをもっと含めることを望んでいた[67]。頭部は、より信憑性のある方法で感情を表現するために、追加の部品で設計される必要があった[64]。ファラーは、アニメーターが「水しぶきや打撃、地面や移動中の戦い、木への衝突 [...] 物が壊れたり粉々になったりを追加した。[ロボットは]吐き、息を吐き、汗をかき、空気を吸う」と述べている。IMAXのより高い解像度での撮影は、アニメーションの1フレームをレンダリングするのに最大72時間を要した[68][69]。ILMが『トランスフォーマー』に使用したデータ量は15テラバイトだったが、続編では140テラバイトを使用した[58]。特に問題の多かった効果は照明で、スミソニアン博物館内のジェットファイアーなどのシーンでは41の光源が必要であり、ピラミッドの破壊は約5つのショットに登場し、ブロックの挙動をシミュレートするのに7ヶ月を要した[64]。オーチーは、ほとんどのディセプティコンはロボットモードとオルタネートモードの両方で完全にコンピューター生成されており、ポストプロダクションで彼らのための追加シーンを書きやすくなっていると主張した[70]。デバステーターのレンダリングは、ILMのレンダーファーム容量の85%以上を消費し、シーンの複雑さとIMAX解像度でレンダリングする必要性により、あるコンピューターが「爆発」した[71]。デジタル・ドメインは、アリスが人間からロボットに変形するシーンを含む、脇役の作業を担当した。彼女の肌が裂ける際の顔のクローズアップを示すオープニングシーンは、5人のアニメーターが完成させるのに3ヶ月を要した[72]。
音楽
関連項目: トランスフォーマー/リベンジ ・ザ・アルバム および トランスフォーマー/リベンジ ・ザ・スコア
『リベンジ』のスコアは、スティーブ・ジャブロンスキーが作曲・プロデュースした。彼は監督のマイケル・ベイと再びタッグを組み、ソニー・スコアリング・ステージでハリウッド・スタジオ・シンフォニーの71ピースのオーケストラと共にスコアをレコーディングした[73]。ジャブロンスキーと彼のスコア・プロデューサーであるハンス・ジマーは、リンキン・パークの曲「ニュー・ディバイド」の様々な解釈バージョンを作曲し、スコアに組み込んだ[74]。ラッパーのキッド・カディによる2009年のシングル「Sky Might Fall」は、拡張予告編に登場した[75]。
アバター
製作
原点
監督/脚本家兼プロデューサーのジェームズ・キャメロン、2009年12月、ハリウッド・ウォーク・オブ・フェイムにて。
1994年[12]、ジェームズ・キャメロン監督は、子供の頃に読んだSF小説、特にエドガー・ライス・バローズやH・ライダー・ハガードの冒険小説から着想を得て、『アバター』の80ページの脚本処理を書いた[11]。映画のいくつかの部分は、19歳の時に夢の中で彼に訪れた。光ファイバーの木、扇状のトカゲ、光る粒子を含む川、そして踏むと光る紫色の苔がある光るジャングルの夢だった。目覚めたとき、彼はその場面を描き、後に映画で使用した[62]。1996年8月、キャメロンは『タイタニック』の撮影終了後、合成俳優またはコンピューター生成俳優を使用する『アバター』の撮影を開始すると発表した[14]。このプロジェクトの予算は1億ドルで、少なくとも6人の俳優が主演し、「物理的な世界には実在しないが、本物に見える」というものだった[63]。キャメロンがパートナーを務める視覚効果会社デジタル・ドメインがこのプロジェクトに参加し、製作は1997年半ばに開始され、1999年に公開される予定だった[13]。しかし、キャメロンは技術が彼の意図する物語とビジョンに追いついていないと感じ、次の数年間はドキュメンタリー製作と技術の改良に集中することを決めた。『ブルームバーグ・ビジネスウィーク』のカバーストーリーで、20世紀フォックスがキャメロンに『アバター』のコンセプトテスト用映像クリップの撮影資金として1000万ドルを提供し、彼が2005年10月にフォックスの幹部にそれを上映したことが明らかにされた[64]。
2006年2月、キャメロンは彼の映画『プロジェクト880』が、数年前に製作を試みていた『アバター』の「リニューアル版」であることを明らかにした[65]。ゴラム、キングコング、デイヴィ・ジョーンズのようなコンピューター生成キャラクターの製作における技術的進歩を理由に挙げ[11]、キャメロンは前年に5日間のカメラテストを完了した後、彼のプロジェクト『バトル・エンジェル』ではなく『アバター』を選択した[66]。
開発
2006年1月から4月にかけて、キャメロンは脚本執筆と、映画に登場する異星人ナヴィの文化の開発に取り組んだ。ナヴィ語は南カリフォルニア大学（USC）の言語学者ポール・フロマーによって作られた[11]。ナヴィ語の語彙は約1000語で、キャメロンがさらに約30語を追加した。舌の音素には、アムハラ語に見られる有声放出音（例：「skxawng」の「kx」）や、キャメロンがマオリ語から取った可能性のある語頭の「ng」が含まれる[16]。女優のシガーニー・ウィーバーと映画のセットデザイナーは、カリフォルニア大学リバーサイド校の植物生理学教授ジョディ・S・ホルトと面会し、植物学者が植物を研究・採取する方法を学び、映画に登場するパンドラの生物間のコミュニケーションをどのように描写するかについて議論した[67]。
2005年から2007年にかけて、キャメロンは著名なファンタジーイラストレーター、ウェイン・バーロウや著名なコンセプトアーティスト、ジョードゥ・シェルを含む多数のデザイナーと協力し、3Dブラシでのレンダリングでは彼のビジョンを捉えきれないとキャメロンが感じたため、物理的な描画や彫刻によってナヴィのデザインの形を作り上げた[68]。しばしばキャメロンのマリブの自宅のキッチンで共同作業が行われた[69]。2006年7月、キャメロンは『アバター』を2008年半ばに公開するために撮影すると発表し、2007年2月までに既存のキャストで主要撮影を開始する予定であると述べた[70]。翌8月、視覚効果スタジオのウェタ・デジタルがキャメロンの『アバター』製作を支援する契約を結んだ[71]。過去にキャメロンと仕事をしたことのあるスタン・ウィンストンも、映画のデザインを支援するために『アバター』に参加した[72]。映画のプロダクション・デザインには数年を要した。この映画には2人のプロダクション・デザイナーと2つの別々のアート部門があり、1つはパンドラの動植物に焦点を当て、もう1つは人間の機械や要素の創造に焦点を当てた[73]。2006年9月、キャメロンは彼自身のリアリティ・カメラシステムを使用して映画を3Dで撮影すると発表された。このシステムは、1台のカメラボディに2台の高解像度カメラを使用して奥行き知覚を生成する[74]。
これらの準備が進められている間、フォックスはコストの高騰と、キャメロンの前作『タイタニック』の製作中の遅延の経験から、『アバター』の製作へのコミットメントに躊躇していた。『タイタニック』の製作中、キャメロンは脚本を書き直してプロットを合理化し、いくつかのキャラクターの役割を統合し、もし映画が商業的に失敗した場合には自分のギャラを減額することを提案した[64]。キャメロンは、共同プロデューサーのジョン・ランドーのオフィスの外に、映画の不確かな将来を示すために黄色い点滅信号を設置した[64]。以前にキャメロンと『タイタニック』の共同プロデューサーとして仕事をしたランドーは、1993年に『トゥルーライズ』の製作中に初めてキャメロンと出会った[21]。『トゥルーライズ』の後、ランドーはフォックスの重役の地位を辞し、キャメロンの製作会社ライトストーム・エンターテインメントで働くために移った[21]。2024年7月のランドーの死後、キャメロンは彼が『アバター』の製作に不可欠な役割を果たしたと述べている[21]。
2006年半ば、フォックスは映画の製作をきっぱりと拒否したため、キャメロンは他のスタジオへの売り込みを始めた。彼はウォルト・ディズニー・スタジオに接触し、彼のコンセプト証拠をディズニーのCEOボブ・アイガー、当時のスタジオ会長ディック・クック、アラン・バーグマンに披露した[75][64]。しかし、ウォルト・ディズニー・ピクチャーズが買収を試みたとき、フォックスは先買権を行使した[64]。2006年10月、インジェニアス・メディアが映画の資金提供に同意した後、フォックスは最終的に『アバター』の製作を承認し、フォックスの金銭的エクスポージャーは映画の公式予算2億3700万ドルの半分未満に減少した[64]。フォックスが『アバター』を受け入れた後、依然として懐疑的なフォックスの重役の一人は、キャメロンとランドーに「私たちがこれをやらせるなんて正気じゃないのか、それともこれを できる と思うなんて君たちが正気じゃないのか、どっちなんだ？」と語った[76]。
外部メディア
ジェームズ・キャメロンがFX・フィーニーに『アバター』の脚本執筆について語るインタビュー
オーディオアイコン インタビュー[77]
2006年12月、キャメロンは『アバター』を「今から200年後、遠く離れた惑星を舞台にした未来の物語... 環境に配慮した昔ながらのジャングル探検であり、神話的な感性で物語を届けることを目指している」と説明した[78]。2007年1月のプレスリリースでは、この映画を「贖罪と革命の感情的な旅」と表現し、「負傷した元海兵隊員が、生物多様性に富んだ異星の惑星への入植と資源採取に消極的に駆り出されるが、最終的には先住民側に寝返り、生存をかけた戦いを先導する」という物語になると述べている。物語は、驚くべき動植物の生態系と、豊かな文化と言語を持つ先住民の住む世界全体を舞台とする[46]。
映画の費用は製作に約2億8000万～3億1000万ドル、マーケティングに約1億5000万ドルと見積もられており、約3000万ドルの税額控除がスタジオと出資者への財政的影響を軽減すると述べられている[17][18][19]。スタジオのスポークスマンは、予算は「2億3700万ドルで、プロモーションに1億5000万ドル。これでおしまい」と述べた[4]。
撮影
『アバター』の主要撮影は2007年4月、ロサンゼルスとウェリントンで始まった。キャメロンは、この映画はフルサイズの実写と、コンピューター生成されたキャラクターや環境を組み合わせたハイブリッドであると説明した。「理想的には、観客は何を見ているのか分からなくなるでしょう」とキャメロンは語った。監督は、この映画の非主要シーンの撮影に4ヶ月を費やしたと述べている[79]。実写は、キャメロンとヴィンス・ペースが開発した改良版の独自デジタル3Dフュージョン・カメラシステムで撮影された[80]。2007年1月、フォックスは『アバター』の3D撮影が24フレーム/秒で行われると発表した。キャメロンは3D映画はストロボを目立たなくするためにより高いフレームレートを必要とするという強い意見を持っていたにもかかわらずである[81]。キャメロンによると、この映画は60%のCGI要素と40%の実写、および従来のミニチュアで構成されている[82]。
モーションキャプチャー撮影は、ロサンゼルスのプレイア・ビスタにあるヒューズ・エアクラフトのステージで31日間行われた[66][83]。実写撮影は2007年10月、ウェリントンのストーン・ストリート・スタジオで開始され、31日間を予定していた[84]。千人以上が製作に携わった[83]。撮影シーケンスの準備として、出演者全員が、アーチェリー、乗馬、銃器の使用、格闘技など、それぞれのキャラクターに特化した専門的な訓練を受けた。また、映画のために作られたナヴィ語の言語とアクセントの訓練も受けた[85]。キャメロンは撮影前に、サウンドステージで撮影する前に熱帯雨林の環境を体験させるため、俳優たちをハワイの熱帯雨林に派遣した[86][85]。
撮影中、キャメロンは「バーチャルカメラシステム」と呼ばれる、モーションキャプチャー映画を監督する新しい方法を使用した。このシステムは、デジタル環境内の仮想俳優の画像をリアルタイムで表示し、監督が実際のアクションシーンを撮影しているかのようにシーンを調整・指示することを可能にした。キャメロンは「まるで巨大で強力なゲームエンジンだ。宇宙を飛び回りたいならできるし、視点を変えたいならできる。シーン全体を生きたミニチュアに変えて、50対1の縮尺で進めることもできる」と語った[87]。従来の技術では、俳優のモーションキャプチャーが完了するまで仮想世界全体を見ることはできない。キャメロンは、このプロセスが演技の価値や重要性を減じるものではないと述べた。反対に、繰り返しのセットや照明、衣装の試着、メイクなどが必要ないため、シーンが繰り返し中断されることもない[88]。キャメロンはこのシステムを「純粋な創造の一形態であり、木を動かしたい、山を動かしたい、空を変えたい、時間帯を変えたいと思えば、それらの要素を完全にコントロールできる」と説明した[89]。
キャメロンは、共同監督のスティーブン・スピルバーグとピーター・ジャクソンにこの新しい技術を試す機会を与えた[78]。スピルバーグは「私はそれをデジタルメイクアップだと思うのが好きだ。強化されたアニメーションではない... モーションキャプチャーは、監督に、俳優と監督がライブシアターで仕事をするときだけ知っているような親密さを取り戻させてくれる」と述べた[88]。スピルバーグとジョージ・ルーカスもまた、キャメロンがこの装置で映画を監督しているところを見学に訪れた[90]。
CGIが実写シーンと相互作用するシーンの撮影には、「シミュルカム」と呼ばれる、3Dフュージョンカメラとバーチャルカメラシステムを組み合わせた特別なカメラが使用された。シミュルカムで実写シーンをリアルタイムで撮影すると、バーチャルカメラで記録された、または新たにデザインされたCGI画像が、拡張現実のように実写画像に重ねられ、小型モニターに表示される。これにより、監督は俳優に仮想シーンと相互作用するよう指示することができる[85]。
気候変動に関するキャメロンの個人的な信念により、撮影現場では植物由来の食事のみが提供された[91]。
最終的にキャメロンは、ジョン・ランドーは「アバター・ファミリーの心臓部」であり、「私たちの小さなバブル宇宙の中心」だったと述べている[21]。
視覚効果
画像左：青色の猫のような異星人ネイティリが叫んでいる。画像右：彼女を演じる女優ゾーイ・サルダナが、顔にモーションキャプチャーマーカーを付け、顔の前に小型カメラを設置している。
キャメロンは、6インチのブームに取り付けられた特別に設計されたカメラを先駆的に使用し、俳優の顔の表情を捉えてデジタル記録し、後にアニメーターが使用できるようにした[92]。
製作中にいくつかの革新的なグラフィック技術が使用された。キャメロンは、映画の製作が1990年代から延期されたのは、彼の映画のビジョンを適切に伝えるために必要なレベルまで技術が進歩するのを待つためだったと述べている[13][14]。監督は、2006年12月までの14ヶ月間にわたって開発した新しいモーションキャプチャー・アニメーション技術を使用して作成された、写実的なCGIキャラクターを使用することを計画していた[87]。
革新技術には、パンドラのジャングルのような大規模な環境のための新しい照明システム、以前に使用されたものより6倍大きいモーションキャプチャーステージ（「ボリューム」）、そして顔の表情を記録する改善された方法が含まれ、完全な演技キャプチャーが可能になった。顔の鮮明な画像を得るために、俳優はカスタムメイドのスカルキャップをかぶり、その顔の前に小型カメラが取り付けられた。顔と目の表情に関する収集データはコンピューターに送信された[94]。キャメロンは、この方法により映画製作者は俳優の身体的な演技を100%デジタルに転送できると述べた[95]。直接コンピューターに転送されるパフォーマンス・キャプチャーデータに加えて、多数のリファレンスカメラがデジタルアーティストに各テイクの多様な視点を提供した[96]。技術的に困難なシーンは映画の終盤近くに発生し、CGIで作成されたネイティリが実写のジェイクを人間の姿で抱きかかえ、彼らの間の影や光の反射の細部にまで注意が払われた[97]。
主要な視覚効果会社はウェリントンのウェタ・デジタルであり、かつては映画の作業に900人のスタッフを雇用していた[98]。保存、分類、そして世界の反対側にいる関係者を含む全員がアクセスできる必要のある膨大なデータ量のため、マイクロソフトは『アバター』専用に「ガイア」という新しいクラウドコンピューティングおよびデジタルアセット管理（DAM）システムを構築し、チームがデジタル処理のあらゆる段階を追跡・調整できるようにした[99]。『アバター』のレンダリングに際し、ウェタは930平方メートル（10,000平方フィート）のサーバーファームを使用した。これは4,000台のヒューレット・パッカード製サーバー、35,000個のプロセッサコア、104テラバイトのRAM、3ペタバイトのネットワーク接続ストレージを備え、Ubuntu Linux、Grid Engineクラスターマネージャー、ピクサーのRenderManとAlfredキューイングシステムという2つのアニメーションソフトウェアとマネージャーを使用していた[100][101][102][103]。このレンダーファームは、世界で最も強力なスーパーコンピューターのTOP500リストで193位から197位にランクされた。マリと呼ばれる新しいテクスチャリングとペイントシステムソフトウェアは、ザ・ファウンドリーとウェタが共同開発した[104][105]。ナヴィのキャラクターとパンドラの仮想世界の創造には、1ペタバイト以上のデジタルストレージが必要であり[106]、『アバター』の最終映像の毎分は17.28ギガバイトのストレージを必要とした[107]。コンピューターは映画の1フレームをレンダリングするのにしばしば数時間を要した[108]。特殊効果シーケンスを時間通りに完成させるため、他のいくつかの会社も関与し、インダストリアル・ライト＆マジックはウェタ・デジタルと協力して戦闘シーケンスを制作した。ILMは映画の様々な特殊車両の視覚効果を担当し、CGI爆発を作成する新しい方法を考案した[109]。ジョー・レッテリが映画の視覚効果の総合スーパーバイザーを務めた[110]。
音楽とサウンドトラック
主要記事: アバター: オリジナル・サウンドトラック
ジェームズ・ホーナー – 「ジェイクがアバターの世界に入る」
再生時間: 32秒。0:32
2009年の映画『アバター』のサウンドトラックのクリップを聴く。
映画音楽の作曲家はジェームズ・ホーナーで、『エイリアン2』と『タイタニック』に続きキャメロンとのコラボレーションは3度目となった[111]。ホーナーは2008年3月、異星人の言語ナヴィ語で歌う小さな合唱団と共にサウンドトラックの一部を録音した[112]。彼はまた、音楽民族学者のワンダ・ブライアントと協力して、異星人の種族のための音楽文化を創造した[113]。サウンドトラックの最初の作曲セッションは2009年初頭に予定されていた[114]。製作中、ホーナーはキャメロンに対し、『アバター』以外のプロジェクトには一切取り組まないことを約束し、プロセス全体を通して午前4時から午後10時まで作曲に取り組んでいたと報じられている。彼はインタビューで、「『アバター』は私がこれまで手がけた中で最も難しい映画であり、最大の仕事だった」と語った[115]。ホーナーは、2つのスコアを1つに統合する方法で作曲した。彼はまずナヴィ風の音響を反映したスコアを作成し、その後、映画を推進するための別個の「伝統的な」スコアと融合させた[85]。イギリス人歌手のレオナ・ルイスが映画の主題歌「アイ・シー・ユー」に抜擢された。ジェイク・ナヴァが監督したミュージックビデオは、2009年12月15日にMySpaceで初公開された[116]。
テーマとインスピレーション
主要記事: アバターのテーマ
『アバター』は、帝国主義とディープエコロジーの文脈の中で自己発見に焦点を当てたアクションアドベンチャー映画である[117]。キャメロンは、インスピレーションは「子供の頃に読んだあらゆるSF小説」であり、エドガー・ライス・バローズのジョン・カーターシリーズのスタイルをアップデートしたかったと述べている[11]。彼は『アバター』が、異文化と文明の衝突を描いた『プレイイング・イン・ザ・フィールズ・オブ・ザ・ロード』、『エメラルド・フォレスト』、『もののけ姫』、そしてトラウマを負った兵士が自分が戦っている文化に惹きつけられる様を描いた『ダンス・ウィズ・ウルブズ』と共通するテーマを持つことを認めている[118][119]。彼はまた、宮崎駿の『もののけ姫』などのアニメ映画がパンドラの生態系に影響を与えたと述べている[119]。
2012年、キャメロンは45ページの法的宣言書を提出し、これは「『アバター』となったアイデア、テーマ、プロット、画像の起源を詳細に説明する」ことを意図していた[120]。歴史的出来事（例えば、ヨーロッパによるアメリカ大陸の植民地化）、人生経験、そして未製作のいくつかのプロジェクトに加えて、キャメロンは『アバター』を彼の以前の映画と結び付けた。彼は、一部が短編映画として製作された『ゼノジェネシス』の彼の脚本とコンセプトアートが、『アバター』の多くの視覚的アイデアとデザインの基礎であると述べた。彼は、「地球意識の概念、自然の中の知性、アバターを使用した力や意識の投影、異星惑星の植民地化、軍事力に支えられた貪欲な企業利益、技術的に優位な勢力に対してより強力であることが証明される、一見弱いグループの物語、そして善良な科学者、これらすべては彼の以前の映画（『エイリアン2』、『アビス』、『ランボー/怒りの脱出』、『ターミネーター』、『ターミネーター2』を含む）から認識され、繰り返し現れるテーマである」と述べている。彼は特に『アビス』の「水の触手」を、「文化的ギャップを埋め、信頼を築くために...異星の存在として現れる『アバター』」の例として挙げている[121]。
キャメロンはまた、他の数多くのクリエイターの作品を『アバター』の「参照点とインスピレーションの源」として挙げている。これには彼のお気に入りの映画2本、すなわち人類が異星生命との遭遇後に進化を経験する『2001年宇宙の旅』と、「部外者が...異文化に直面し没頭し、最終的にはその集団に加わり、他の部外者と戦う」『アラビアのロレンス』が含まれる。キャメロンは、人間が別の世界で「合成アバター」を制御するという概念に、ジョージ・ヘンリー・スミスの短編小説「イン・ザ・イマジコン」やアーサー・C・クラークの小説『都市と星』を通じて親しんでいたと述べている。彼は、「アバター」という言葉をウィリアム・ギブスンのサイバーパンク小説『ニューロマンサー』やブルース・スターリングの『アイランズ・イン・ザ・ネット』を読んで知ったと述べている。「地球の精神」の概念はスタニスワフ・レムの小説『ソラリス』に由来する。キャメロンは、人々が「先住民文化」と交流する様子を描いた他のいくつかの映画をインスピレーションとして挙げており、『ダンス・ウィズ・ウルブズ』、『王になろうとした男』、『ミッション』、『エメラルド・フォレスト』、『メディスンマン』、『ジャングル・ブック』、『ファーン・ガリー』などがある。彼はまた、エドガー・ライス・バローズのジョン・カーターやターザンの物語、ラドヤード・キップリングやH・ライダー・ハガードの他の冒険物語もインスピレーションとして挙げている[121]。
2007年のタイム誌のインタビューで、キャメロンは『アバター』という言葉の意味を尋ねられ、「それはヒンドゥー教の神の化身であり、人間の姿で現れるものです。この映画では、未来の人間の技術が、人間の知性を遠く離れた生物学的な身体に注入できることを意味します」と答えた[10]。キャメロンはまた、日本のサイバーパンク漫画・アニメ『攻殻機動隊』を、人間が自分の人格を遠隔操作で異星人の身体に制御・転送する方法という点で参照している[122][123]。
ジェイクとネイティリのアバター。ナヴィの外見のインスピレーションの一つは、キャメロンの母親が彼に語った夢から来ている[117]。
ナヴィ（パンドラの先住民族）の外見は、キャメロンが『アバター』の製作を始めるずっと前に見た母親の夢からインスピレーションを得ている。その夢の中で、彼女は身長12フィート（4メートル）の青い肌の女性を見て、彼はそれを「クールなイメージ」だと思った[117]。彼はまた、「青が好きなんだ。良い色だし...ヒンドゥー教の神々とのつながりもあって[124]、それは概念的に気に入っている」と述べている[125]。彼は1976年か1977年に書いた最初の脚本に、美しい背の高い青い肌の異星人が住む惑星を登場させており、ナヴィは彼らに基づいている[117]。
キャラクターのジェイクとネイティリのラブストーリーについて、キャメロンはロミオとジュリエットの慣例に従った禁じられた愛のテーマを使用した[121]。彼はこのテーマが彼の映画『タイタニック』のジャックとローズのカップルと類似していることを認めている。インタビュアーは「どちらも、自分たちの関係を軽蔑し、対立するコミュニティの間でどちらかの側を選ばざるを得ない、まったく異なる文化の出身者です」と述べている[126]。キャメロンはネイティリを彼の「ポカホンタス」と表現し、彼のプロットは「先住民の酋長の娘と恋に落ち、彼女が部族へのガイドとなり、自然との特別な関係を持つようになる白人の部外者」という歴史的な物語に従っていると述べている[121]。キャメロンは、ジェイクとネイティリのラブストーリーが信憑性を持つと見なされるかどうかは、ネイティリの視覚的な魅力にかかっていると感じており、それは全男性のアーティストチームが彼女の魅力を考慮して開発した[127]。キャメロンはジェイクとネイティリがすぐに恋に落ちるとは感じていなかったが、演じた俳優は二人のキャラクターが恋に落ちたと感じていた。キャメロンは、2人の俳優は撮影中「非常に素晴らしい相性」を持っていたと述べている[126]。
森の中の灰色の山。
パンドラの空に浮かぶ「ハレルヤ山脈」は、一部、中国の黄山（写真）から着想を得ている[128]。
張家界国家森林公園。
映画のための浮遊する「ハレルヤ山脈」について、デザイナーは「多くの種類の山、特に中国のカルスト地形の石灰岩」からインスピレーションを得た[129]。プロダクション・デザイナーのディラン・コールによると、想像上の浮遊岩石は、黄山（別名イエローマウンテン）、桂林、張家界、そして世界中の他の場所からインスピレーションを得ている[129]。キャメロンは、浮遊山のデザインに対する中国の山頂の影響に言及している[130]。
パンドラの人間の採掘コロニーの内部空間を創造するため、プロダクション・デザイナーは2007年6月、メキシコ湾のノーブル・クライド・ボードロー石油プラットフォームを訪れた[131]。彼らはプラットフォームのあらゆる側面を写真撮影、計測、撮影し、後にポストプロダクション中に写実的なCGIで画面上に再現した[132]。
キャメロンは、「アクション、アドベンチャー、そしてたくさんのものを詰め込んだ」作品を作りたかったが、同時に「おそらくそれを楽しむことで、自然や仲間の人間との関わり方について少し考えるかもしれない」という意識を持たせたかったと述べている。彼は「ナヴィは私たちのより高次の自己、または私たちがなりたいと思う自己、私たちが自分自身であると思いたいものを表している」と付け加え、映画には善良な人間もいるが、それでも彼らは「私たちの惑星を破壊し、おそらく私たちを悲惨な未来へと追いやっている私たち自身の一部であると私たちが知っているものを表している」と述べた[133]。
キャメロンは、『アバター』が米国のイラク戦争における役割と、一般的な機械化戦争の非人間的な性質を暗に批判していることを認めている。キャメロンは、映画で「衝撃と畏怖」という用語が使われていることについて、「私たちはミサイルを発射するのがどのような感じか知っています。それらのミサイルが私たちの故郷に着弾するのがどのような感じかは知りません。それはアメリカではないのです」と述べた[134]。彼は後のインタビューで、「...私は、チェックされる必要のあるシステムに疑問を投げかけることは非常に愛国的なことだと思う...」と述べ[135]、「この映画は決して反米的ではない」と述べている[136]。映画の一シーンでは、ナヴィのそびえ立つホームツリーがミサイル攻撃によって炎に包まれ崩壊し、灰と残骸で地形を覆い尽くすという暴力的な破壊が描かれている。このシーンと9月11日の世界貿易センタービルへの攻撃との類似点を尋ねられたキャメロンは、「911にこんなにも似ていることに驚いた」と述べた[134]。
2024年7月、キャメロンはこの映画を「マンハッタン計画のようなもの...常に新しい物理学を発明し、まったく新しい方法で物語を語ることを習得していく」と述べた[21]。キャメロンはまた、共同プロデューサーのジョン・ランドーが「アバター・ファミリーの心臓部」であったことを認めている[21]。
